Abierto València

Premio popular Cervezas Alhambra

LAVAC y Cervezas Alhambra te invitan a participar en la elección del Premio Popular Cervezas Alhambra 2020 del certamen Abierto València. Tu voto es un reconocimiento a los artistas, a su proceso creativo y a su originalidad.

Si ya tienes claro quién crees que lo merece, participa con tu voto.

Compromiso con la creación

El Premio Popular Cervezas Alhambra representa el vínculo con el colectivo artístico valenciano. Una iniciativa organizada a través de la plataforma crear / sin / prisa con la que Cervezas Alhambra se une a la meta de Abierto València de acercar el arte contemporáneo a los ciudadanos.

Si quieres conocer mejor a los 13 artistas y galeristas participantes en la edición 2020, aquí tienes un breve resumen de su obra y y trayectoria.

crear / sin / prisa

13 artistas, 1 premio

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Espai Tactel

Amanda Moreno

The Sky Was Made of Amethyst

El trabajo de Amanda Moreno se acerca desde diferentes disciplinas a lo que podría llamarse un conocimiento “enciclopédico”. De ahí la constante incursión en los sistemas de conocimiento, que es utilizada por la artista, para producir subjetividades a partir de la adulteración o el apropiacionismo.

En la obra de Moreno, el discurso de consenso queda suspendido, dando paso a la proliferación de otras narrativas que tienen su origen en la literatura o la ficción. Por otro lado, el error, la confusión o el fracaso, despliegan todo su potencial, instando a la mirada emancipada del lector que funda y gestiona su conocimiento.

En estas prácticas es evidente el interés por los lenguajes abstractos de la ciencia, el arte o la tecnología.

Éstas enfatizan la doble relación de accesibilidad / inaccesibilidad del sujeto al conocimiento y su potenciación como agente creativo. El juego entre el informe y lo ortopédico, la lógica y lo irracional, es una constante que toma matices interesantes en piezas como Hipótesis Púrpura I, que establece paralelismos entre la hipótesis científica, la psicología del color y la superchería. O, en After Bouvard et Pécuchet donde establecen relaciones de libre asociación a partir de imágenes de divulgación científica.

En definitiva, la obra de Amanda Moreno se descubre como un análisis de los símbolos, gestos o dinámicas propias de su contemporaneidad. En la que, más allá de la inscripción superficial, se sugieren nuevas sensibilidades, corrientes de un inconsciente colectivo que avanza anticipando cambios más profundos y estratégicos.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Espai Tactel

Amanda Moreno

The Sky Was Made of Amethyst

El trabajo de Amanda Moreno se acerca desde diferentes disciplinas a lo que podría llamarse un conocimiento “enciclopédico”. De ahí la constante incursión en los sistemas de conocimiento, que es utilizada por la artista, para producir subjetividades a partir de la adulteración o el apropiacionismo.

En la obra de Moreno, el discurso de consenso queda suspendido, dando paso a la proliferación de otras narrativas que tienen su origen en la literatura o la ficción. Por otro lado, el error, la confusión o el fracaso, despliegan todo su potencial, instando a la mirada emancipada del lector que funda y gestiona su conocimiento.

En estas prácticas es evidente el interés por los lenguajes abstractos de la ciencia, el arte o la tecnología.

Éstas enfatizan la doble relación de accesibilidad / inaccesibilidad del sujeto al conocimiento y su potenciación como agente creativo. El juego entre el informe y lo ortopédico, la lógica y lo irracional, es una constante que toma matices interesantes en piezas como Hipótesis Púrpura I, que establece paralelismos entre la hipótesis científica, la psicología del color y la superchería. O, en After Bouvard et Pécuchet donde establecen relaciones de libre asociación a partir de imágenes de divulgación científica.

En definitiva, la obra de Amanda Moreno se descubre como un análisis de los símbolos, gestos o dinámicas propias de su contemporaneidad. En la que, más allá de la inscripción superficial, se sugieren nuevas sensibilidades, corrientes de un inconsciente colectivo que avanza anticipando cambios más profundos y estratégicos.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

The Sky Was Made of Amethyst

Galería Punto

Alberto Feijóo

2020

¨2020¨ está planteada como una ocupación del espacio físico y del espacio virtual de la galería, como un relato sin fin.

“En 2020 podemos apreciar la capacidad mutante de la imagen que es tratada como elemento a contemplar, leer o descifrar y, a su vez, transformada en objeto de consumo. Una imagen que podemos habitar, que tiene una función y que, en ocasiones, se independiza del muro y vive otras vidas.”

El proyecto 2020 busca cuestionar en primera persona ciertas estructuras rígidas que dominan el sistema y que tienden a homogeneizar tanto el fondo como la forma de la actividad creativa. Espacios de transición donde los límites son difusos, espacios indefinidos, inclasificables, donde se cuestiona a la autoridad y que generan duda.

La idea de mise en abyme está muy presente en 2020, una imagen que está dentro de otra imagen, donde los límites son difusos y dónde se cuestiona tanto la identidad como las jerarquías.

En 2020 el arte es una herramienta que nos permite acercarnos a lo desconocido y habitar ciertas realidades ajenas, aunque sea por un tiempo limitado.

Bio:

Alberto Feijóo es un artista visual licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad de Alicante.
Su trabajo se ha expuesto de manera individual en Sala Kursala de la Universidad de Cádiz, en el Centro 14 de Alicante o en la Galería Luis Adelantado de Valencia.

También ha participado en exposiciones colectivas en Centro Conde Duque Madrid, Centro Cultural La Villa, en el marco de PHotoEspaña14, Universidad de Puerto Rico, Sala Canal de Isabel II de Madrid o Fotomuseum Winterthur en Suiza, entre otras muchas.

Actualmente vive y trabaja en Londres donde cursa el postgrado MA Contemporary Photography; Practices and Philosophies en la University of Arts London (UAL).

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería Punto

Alberto Feijóo

2020

¨2020¨ está planteada como una ocupación del espacio físico y del espacio virtual de la galería, como un relato sin fin.

“En 2020 podemos apreciar la capacidad mutante de la imagen que es tratada como elemento a contemplar, leer o descifrar y, a su vez, transformada en objeto de consumo. Una imagen que podemos habitar, que tiene una función y que, en ocasiones, se independiza del muro y vive otras vidas.”

El proyecto 2020 busca cuestionar en primera persona ciertas estructuras rígidas que dominan el sistema y que tienden a homogeneizar tanto el fondo como la forma de la actividad creativa. Espacios de transición donde los límites son difusos, espacios indefinidos, inclasificables, donde se cuestiona a la autoridad y que generan duda.

La idea de mise en abyme está muy presente en 2020, una imagen que está dentro de otra imagen, donde los límites son difusos y dónde se cuestiona tanto la identidad como las jerarquías.

En 2020 el arte es una herramienta que nos permite acercarnos a lo desconocido y habitar ciertas realidades ajenas, aunque sea por un tiempo limitado.

Bio:

Alberto Feijóo es un artista visual licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad de Alicante.
Su trabajo se ha expuesto de manera individual en Sala Kursala de la Universidad de Cádiz, en el Centro 14 de Alicante o en la Galería Luis Adelantado de Valencia.

También ha participado en exposiciones colectivas en Centro Conde Duque Madrid, Centro Cultural La Villa, en el marco de PHotoEspaña14, Universidad de Puerto Rico, Sala Canal de Isabel II de Madrid o Fotomuseum Winterthur en Suiza, entre otras muchas.

Actualmente vive y trabaja en Londres donde cursa el postgrado MA Contemporary Photography; Practices and Philosophies en la University of Arts London (UAL).

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

2020

Galería Set Espai d’Art

Ana H. del Amo

A tres tiempos

Ana H. del Amo certifica un consciente desprendimiento de la omnipresencia tecnológica, cuyo rastro se ha dejado ver pocas veces en su trabajo, asociado a materiales y técnicas de corte a lo sumo, para ensalzar los valores a escala humana de lo manual artesano: lo familiar, cotidiano, próximo, de origen elemental en la naturaleza, que demanda pericia táctil y observación y actuación no no vicarias, una suerte de ensayo y error operativos y absoluta fisicidad del proceso… todo eso que hoy nos parecen justo lo opuesto a la escala humana cuando, en el universo de rudimentos a nuestro servicio, la pantalla y el teclado, con su asepsia operativa, se han convertido en lo ordinario y mayoritario. “A tres tiempos” viene a concentrar esto, multiplicando posibilidades e implicaciones en una cascada de lecturas añadidas. Podríamos aludir a esos tres elementos siempre presentes en su trabajo, y que se articulan como tempos de actuación en sí mismos, en un modo casi musical: forma, textura y color. […]

Guillermo Espinosa

Bio:

Licenciada en BB.AA por la Universidad de Barcelona. Su práctica está asociada a la corriente de pintura y escultura expandidas. Expone de forma regular desde 2003, y entre sus exposiciones individuales destacan “Muito Possivel” (Lisboa, 2018) o “Blue Note” (Parlamento de Extremadura, 2014).

Ha expuesto colectivamente en instituciones como el Centro Cultural de España en México, Espacio Dorffi (Lanzarote); Estudio22 (Logroño), el Museo de Cáceres o la Real Academia de España en Roma, por la que fue becada en 2006. También ha recibido las becas Krasner-Pollock Foundation (Nueva York, 2019), Casa Velázquez (Madrid, 2017) y Nautilus (Lanzarote, 2016). Su trabajo forma parte de las colecciones DKV, Nocapaper, Diputación de Alicante, Junta de Extremadura y de la Academia de España en Roma, entre otras. Vive y trabaja entre Cáceres y Madrid.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería Set Espai d’Art

Ana H. del Amo

A tres tiempos

Ana H. del Amo certifica un consciente desprendimiento de la omnipresencia tecnológica, cuyo rastro se ha dejado ver pocas veces en su trabajo, asociado a materiales y técnicas de corte a lo sumo, para ensalzar los valores a escala humana de lo manual artesano: lo familiar, cotidiano, próximo, de origen elemental en la naturaleza, que demanda pericia táctil y observación y actuación no no vicarias, una suerte de ensayo y error operativos y absoluta fisicidad del proceso… todo eso que hoy nos parecen justo lo opuesto a la escala humana cuando, en el universo de rudimentos a nuestro servicio, la pantalla y el teclado, con su asepsia operativa, se han convertido en lo ordinario y mayoritario. “A tres tiempos” viene a concentrar esto, multiplicando posibilidades e implicaciones en una cascada de lecturas añadidas. Podríamos aludir a esos tres elementos siempre presentes en su trabajo, y que se articulan como tempos de actuación en sí mismos, en un modo casi musical: forma, textura y color. […]

Guillermo Espinosa

Bio:

Licenciada en BB.AA por la Universidad de Barcelona. Su práctica está asociada a la corriente de pintura y escultura expandidas. Expone de forma regular desde 2003, y entre sus exposiciones individuales destacan “Muito Possivel” (Lisboa, 2018) o “Blue Note” (Parlamento de Extremadura, 2014).

Ha expuesto colectivamente en instituciones como el Centro Cultural de España en México, Espacio Dorffi (Lanzarote); Estudio22 (Logroño), el Museo de Cáceres o la Real Academia de España en Roma, por la que fue becada en 2006. También ha recibido las becas Krasner-Pollock Foundation (Nueva York, 2019), Casa Velázquez (Madrid, 2017) y Nautilus (Lanzarote, 2016). Su trabajo forma parte de las colecciones DKV, Nocapaper, Diputación de Alicante, Junta de Extremadura y de la Academia de España en Roma, entre otras. Vive y trabaja entre Cáceres y Madrid.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

A tres tiempos

Shiras Galería

Samuel Nieto

11,11

11.11 es una invitación a un camino de crecimiento interior, una oportunidad para que el espectador reflexione sobre sí mismo con cada una de sus imágenes a través del goce estético más directo.

La obra de Samuel Nieto siempre ha estado caracterizada por el protagonismo de la línea. En sus numerosas series hasta el 2019.

Llegados a la nueva serie que se presenta en esta ocasión podemos observar un gran cambio en las composiciones. Los universos caóticos han desaparecido para dejar paso a un triunfal orden matemático. Por primera vez en su obra la racionalidad y la geometría son protagonistas en estos lienzos en los que la luz se distribuye de forma ecuánime por toda su superficie en dirección al infinito. En estas nuevas obras ya no solo existe meditación en el momento de la creación artística, sino que se ha conseguido crear unas imágenes para la meditación en un momento posterior, durante la acción contemplativa del espectador. […]

Álvaro Bayo

Bio:

Samuel Nieto es un artista internacional que actualmente reside y trabaja en Berlín. Se licenció en el grado de Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, junto con un máster realizado en la misma universidad. Además, se formó durante años en los talleres de diversos artistas como Santiago Ydañez e Ignacio Uriarte, entre otros.

Sus obras han sido expuestas en diversos lugares de Alemania y Nueva York; así como en diversos lugares del territorio nacional (Madrid, Valencia, Bilbao, etc.). Además, su obra se ha presentado en diversas ferias de arte y galerías, destacando su participación en las últimas ediciones de la feria Hybrid Art Fair.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Shiras Galería

Samuel Nieto

11,11

11.11 es una invitación a un camino de crecimiento interior, una oportunidad para que el espectador reflexione sobre sí mismo con cada una de sus imágenes a través del goce estético más directo.

La obra de Samuel Nieto siempre ha estado caracterizada por el protagonismo de la línea. En sus numerosas series hasta el 2019.

Llegados a la nueva serie que se presenta en esta ocasión podemos observar un gran cambio en las composiciones. Los universos caóticos han desaparecido para dejar paso a un triunfal orden matemático. Por primera vez en su obra la racionalidad y la geometría son protagonistas en estos lienzos en los que la luz se distribuye de forma ecuánime por toda su superficie en dirección al infinito. En estas nuevas obras ya no solo existe meditación en el momento de la creación artística, sino que se ha conseguido crear unas imágenes para la meditación en un momento posterior, durante la acción contemplativa del espectador. […]

Álvaro Bayo

Bio:

Samuel Nieto es un artista internacional que actualmente reside y trabaja en Berlín. Se licenció en el grado de Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, junto con un máster realizado en la misma universidad. Además, se formó durante años en los talleres de diversos artistas como Santiago Ydañez e Ignacio Uriarte, entre otros.

Sus obras han sido expuestas en diversos lugares de Alemania y Nueva York; así como en diversos lugares del territorio nacional (Madrid, Valencia, Bilbao, etc.). Además, su obra se ha presentado en diversas ferias de arte y galerías, destacando su participación en las últimas ediciones de la feria Hybrid Art Fair.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

11,11

Galería Cuatro

Vinz Feel Free

La Alegría de vivir

Cuenta la historia de como vivimos los días duros del confinamiento.
Lo que hicimos y también lo que dejamos de hacer.

Dividida en dos partes, la primera narra a través de composiciones, diversas situaciones de los protagonistas pasivos (aquellos que nos quedamos en casa). Los aplausos, la vigilancia, la comunicación con el exterior, la cultura o la pornografía y las drogas que consumimos, así como escenas cotidianas del día a día.

La segunda parte, más onírica, nos muestra lo que no pudimos hacer. Los festivales de música, los saraos, correr al aire libre, los contactos sexuales o las drogas que no pudimos tomar.

Ésta es una exposición para recordar con orgullo cómo luchamos y también para soñar con aquello por lo que vale la pena seguir peleando: La alegría de vivir.

Bio:

Vinz Feel Free, (1979 Valencia) es un artista urbano, licenciado en Bellas Artes en la facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia (2003).

En 2011, Vinz comenzó el proyecto ‘Feel Free’, en las calles y galerías de Europa y EE.UU.  El proyecto ha sido expuesto en diversas galerías de Europa y América.

Ha expuesto en Centros Culturales como el Centro de Arte Contemporáneo Walter Benjamin en Perpiñán o museos como el Muvim, el Centro del Carmen de Cultura Contemporánea o el Louvre.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería Cuatro

Vinz Feel Free

La Alegría de vivir

Cuenta la historia de como vivimos los días duros del confinamiento.
Lo que hicimos y también lo que dejamos de hacer.

Dividida en dos partes, la primera narra a través de composiciones, diversas situaciones de los protagonistas pasivos (aquellos que nos quedamos en casa). Los aplausos, la vigilancia, la comunicación con el exterior, la cultura o la pornografía y las drogas que consumimos, así como escenas cotidianas del día a día.

La segunda parte, más onírica, nos muestra lo que no pudimos hacer. Los festivales de música, los saraos, correr al aire libre, los contactos sexuales o las drogas que no pudimos tomar.

Ésta es una exposición para recordar con orgullo cómo luchamos y también para soñar con aquello por lo que vale la pena seguir peleando: La alegría de vivir.

Bio:

Vinz Feel Free, (1979 Valencia) es un artista urbano, licenciado en Bellas Artes en la facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia (2003).

En 2011, Vinz comenzó el proyecto ‘Feel Free’, en las calles y galerías de Europa y EE.UU.  El proyecto ha sido expuesto en diversas galerías de Europa y América.

Ha expuesto en Centros Culturales como el Centro de Arte Contemporáneo Walter Benjamin en Perpiñán o museos como el Muvim, el Centro del Carmen de Cultura Contemporánea o el Louvre.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

La Alegría de vivir

Galería Thema

Manuel Martí Moreno

Seres extraños

“La obra de Martí Moreno plasma una visión de la sociedad desde una vertiente intimista y una esperanza humanista; cree firmemente en la belleza, y eso lo lleva a creer en el ser. Es lúcida y contemporánea, a pesar (o quizá por eso mismo) de transitar por encima de los vaivenes de las tendencias con contundencia conceptual y formal, y todo eso sin renunciar a la poética.

Cada una de las piezas de la exposición mantiene una exigencia previa fundamental: que se nos interrogue, que se nos pregunte, a través de la propia figura. Es decir, que la búsqueda de las respuestas que uno puede adivinar viendo arte, legitima la necesaria experiencia de la contemplación”

Extractos texto Joan Feliu Franch

Bio:

Manuel Martí Moreno es licenciado en Bellas Artes. Ha realizado exposiciones, tanto individuales como colectivas, desde el año 2000. Su obra está en las colecciones de Ayuntamientos como el de València, Castellón, Villareal o Segorbe, entre otras muchos.

Ha sido merecedor de varios premios como: III Certamen de Escultura SILVESTRE DE EDETA, Ayuntamiento de Líria Medalla de honor XXº Premio López-Villaseñor, Ciudad Real, I Premio de pintura “Juventud”, Ayuntamiento de Castellón o Premio Senyera de Escultura del Ayuntamiento de València.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería Thema

Manuel Martí Moreno

Seres extraños

“La obra de Martí Moreno plasma una visión de la sociedad desde una vertiente intimista y una esperanza humanista; cree firmemente en la belleza, y eso lo lleva a creer en el ser. Es lúcida y contemporánea, a pesar (o quizá por eso mismo) de transitar por encima de los vaivenes de las tendencias con contundencia conceptual y formal, y todo eso sin renunciar a la poética.

Cada una de las piezas de la exposición mantiene una exigencia previa fundamental: que se nos interrogue, que se nos pregunte, a través de la propia figura. Es decir, que la búsqueda de las respuestas que uno puede adivinar viendo arte, legitima la necesaria experiencia de la contemplación”

Extractos texto Joan Feliu Franch

Bio:

Manuel Martí Moreno es licenciado en Bellas Artes. Ha realizado exposiciones, tanto individuales como colectivas, desde el año 2000. Su obra está en las colecciones de Ayuntamientos como el de València, Castellón, Villareal o Segorbe, entre otras muchos.

Ha sido merecedor de varios premios como: III Certamen de Escultura SILVESTRE DE EDETA, Ayuntamiento de Líria Medalla de honor XXº Premio López-Villaseñor, Ciudad Real, I Premio de pintura “Juventud”, Ayuntamiento de Castellón o Premio Senyera de Escultura del Ayuntamiento de València.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Seres extraños

Galería Rosa Santos

María Tinaut

Sin título, y todavía verano

“Ayer hablé con un oceanógrafo que me contó que menos del ocho por ciento del fondo marino está cartografiado. Además de ser desconocido para los humanos, el fondo marino existe en un constante proceso en que se crea y se destruye a sí mismo. Las placas tectónicas se quiebran en sus contornos y se alejan lentamente unas de otras. El magma bulle de las hendiduras hacia la superficie, y al enfriarse con el agua del mar se convierte en roca. Esta roca pasa a ser parte de la corteza terrestre, y así es como este proceso, denominado expansión del fondo oceánico, comienza de nuevo.

Mientras me lo explicaba, pensaba en María Tinaut y en su archipiélago de azulejos rotos, encontrados por el campo que hay detrás de su casa. Las flores azules, que una vez estuvieron completas, son ahora un lecho de pétalos rotos. Se los llevó a su estudio para buscar por dónde podrían haber casado en origen las líneas curvas y ya desdibujadas, en un intento por volver a juntar las partes descasadas. […]

Texto escrito por Erin Johnson, traducción de Laía Argüelles.

Bio:

Vive y trabaja en Nueva York. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (2014) y con Máster de Bellas Artes en Pintura por la Virginia Commonwealth University (2017). Interesada en abordar todo aquello que sucede en la periferia de lo que es aparentemente el centro de atención para subvertir el carácter autoritario de la fotografía de archivo, y desplazar la mirada hacia otras narrativas posibles. En este proceso revela fracturas, huecos temporales y del contexto en archivos fotográficos.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería Rosa Santos

María Tinaut

Sin título, y todavía verano

“Ayer hablé con un oceanógrafo que me contó que menos del ocho por ciento del fondo marino está cartografiado. Además de ser desconocido para los humanos, el fondo marino existe en un constante proceso en que se crea y se destruye a sí mismo. Las placas tectónicas se quiebran en sus contornos y se alejan lentamente unas de otras. El magma bulle de las hendiduras hacia la superficie, y al enfriarse con el agua del mar se convierte en roca. Esta roca pasa a ser parte de la corteza terrestre, y así es como este proceso, denominado expansión del fondo oceánico, comienza de nuevo.

Mientras me lo explicaba, pensaba en María Tinaut y en su archipiélago de azulejos rotos, encontrados por el campo que hay detrás de su casa. Las flores azules, que una vez estuvieron completas, son ahora un lecho de pétalos rotos. Se los llevó a su estudio para buscar por dónde podrían haber casado en origen las líneas curvas y ya desdibujadas, en un intento por volver a juntar las partes descasadas. […]

Texto escrito por Erin Johnson, traducción de Laía Argüelles.

Bio:

Vive y trabaja en Nueva York. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (2014) y con Máster de Bellas Artes en Pintura por la Virginia Commonwealth University (2017). Interesada en abordar todo aquello que sucede en la periferia de lo que es aparentemente el centro de atención para subvertir el carácter autoritario de la fotografía de archivo, y desplazar la mirada hacia otras narrativas posibles. En este proceso revela fracturas, huecos temporales y del contexto en archivos fotográficos.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Sin título, y todavía verano

The Blink Project

Ovidi Benet

Hipersuperficie

La exposición HIPERSUPERFICIE de Ovidi Benet (Denia, Alicante, 1990) enfrenta el desencanto de una generación ante lo establecido, lo mainstream como crítica hacia un mercado saturado, estándar y obsoleto, carente de veracidad y sinceridad, la hiperbolización de la estética neoliberal, la tendencia, la moda, lo trashy, la cultura primitiva digital de los 90’s…

Diseñador de formación y profesión, Ovidi Benet vive obsesionado con “el interior del objeto”, llevándolo como tema central de su propio statement: el objeto forma el espacio, el espacio es el objeto.

En su obra busca ese cambio generacional que consiga revivir un espíritu de rotura, de quiebro con lo establecido, con lo académico. Ovidi aporta una visión distinta, provocadora y personal del diseño. Una crítica social camuflada muy sutilmente dentro de las piezas, que, pese a generarse de la aleatoriedad, terminan siendo estéticas, convirtiéndose en la crítica criticada. […]

Ismaël Chappaz

Bio:

Ovidi Benet se ha formado en el IED Madrid (Instituto Europeo di Design), en la EASD de Valencia (Escola d’Art i Superior de Disseny) en la Escuela de Arte y Diseño nº10 de Madrid y en la Domaine de Boisbuchet en Lessac (Francia). A esto se le añade la sugestiva carrera profesional. Una colaboración con diferentes marcas, consultorías, estudios y empresas como CuldeSac™, Batavia Decoración, Erico Navazo Estudio, Ovo Design, etc.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

The Blink Project

Ovidi Benet

Hipersuperficie

La exposición HIPERSUPERFICIE de Ovidi Benet (Denia, Alicante, 1990) enfrenta el desencanto de una generación ante lo establecido, lo mainstream como crítica hacia un mercado saturado, estándar y obsoleto, carente de veracidad y sinceridad, la hiperbolización de la estética neoliberal, la tendencia, la moda, lo trashy, la cultura primitiva digital de los 90’s…

Diseñador de formación y profesión, Ovidi Benet vive obsesionado con “el interior del objeto”, llevándolo como tema central de su propio statement: el objeto forma el espacio, el espacio es el objeto.

En su obra busca ese cambio generacional que consiga revivir un espíritu de rotura, de quiebro con lo establecido, con lo académico. Ovidi aporta una visión distinta, provocadora y personal del diseño. Una crítica social camuflada muy sutilmente dentro de las piezas, que, pese a generarse de la aleatoriedad, terminan siendo estéticas, convirtiéndose en la crítica criticada. […]

Ismaël Chappaz

Bio:

Ovidi Benet se ha formado en el IED Madrid (Instituto Europeo di Design), en la EASD de Valencia (Escola d’Art i Superior de Disseny) en la Escuela de Arte y Diseño nº10 de Madrid y en la Domaine de Boisbuchet en Lessac (Francia). A esto se le añade la sugestiva carrera profesional. Una colaboración con diferentes marcas, consultorías, estudios y empresas como CuldeSac™, Batavia Decoración, Erico Navazo Estudio, Ovo Design, etc.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Hipersuperficie

Galería La Mercería

Lucía Blas

What remains

What remains es el resultado expositivo de un proyecto que pretende indagar en cuestiones como son el residuo y la memoria vinculada a lo autobiográfico. Así, Lucía Blas plantea construir un espacio en el que recuerdos y vivencias se disponen en la sala a modo de archivo en el que poder adentrarse. Un inventario personal en el que restos de aquello vivido, aquello que quedó, es registrado y expuesto. A través de la instalación se materializan piezas en las que se hace uso de anotaciones y transcripciones de la artista, destruidas, encapsuladas y recompuestas, reconvertidas. Bloques que no hacen sino recoger palabras pasadas como si de escombros se trataran, dándoles una visibilidad a la que no estaban destinadas. De esta forma, el proceso de trabajo se convierte en un modo de adentrarse en las ruinas, como diría Jean-Yves Jouannais, penetrar en ellas para así conocerlas y condenar a la extinción el canto de su melancolía.

Bio:

Lucía Blas (Valencia, 1991) desarrolla su trabajo de manera interdisciplinar centrándose fundamentalmente en conceptos como la memoria y el residuo mediante los recursos que ofrecen tanto la pintura como la instalación.

Licenciada en Ciencias Políticas y de la Administración por la Universitat de València y graduada en Bellas Artes por la Facultat de Belles Arts Sant Carles de la Universitat Politècnica de València, actualmente se encuentra finalizando sus estudios de Máster en Producción Artística en este mismo centro.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería La Mercería

Lucía Blas

What remains

What remains es el resultado expositivo de un proyecto que pretende indagar en cuestiones como son el residuo y la memoria vinculada a lo autobiográfico. Así, Lucía Blas plantea construir un espacio en el que recuerdos y vivencias se disponen en la sala a modo de archivo en el que poder adentrarse. Un inventario personal en el que restos de aquello vivido, aquello que quedó, es registrado y expuesto. A través de la instalación se materializan piezas en las que se hace uso de anotaciones y transcripciones de la artista, destruidas, encapsuladas y recompuestas, reconvertidas. Bloques que no hacen sino recoger palabras pasadas como si de escombros se trataran, dándoles una visibilidad a la que no estaban destinadas. De esta forma, el proceso de trabajo se convierte en un modo de adentrarse en las ruinas, como diría Jean-Yves Jouannais, penetrar en ellas para así conocerlas y condenar a la extinción el canto de su melancolía.

Bio:

Lucía Blas (Valencia, 1991) desarrolla su trabajo de manera interdisciplinar centrándose fundamentalmente en conceptos como la memoria y el residuo mediante los recursos que ofrecen tanto la pintura como la instalación.

Licenciada en Ciencias Políticas y de la Administración por la Universitat de València y graduada en Bellas Artes por la Facultat de Belles Arts Sant Carles de la Universitat Politècnica de València, actualmente se encuentra finalizando sus estudios de Máster en Producción Artística en este mismo centro.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

What remains

Galería Luis Adelantado

Nelo Vinuesa

Territorio y refugio

La obra de Nelo Vinuesa se enmarca dentro de la exposición colectiva “Territorio y refugio” que presenta la galería Luis Adelantado en la presente edición de Abierto València.

“¿Qué quiere decir Aufklärung hoy en día?, ¿qué tiene que ver la Aufklärung con el territorio valenciano?, ¿cómo generar una muestra de proyectos artísticos de diferentes artistas contemporáneos dentro del contexto de la Comunidad Valenciana, los cuales transmiten una idea de refugio frente a la omnipotencia del miedo, invocando ciertas ideas de “magia” que no supondrían una reducción del ser humano al Unmündigkeit kantiano entendido éste como “individuo no autónomo”?

En la actual disolución del ser —que al mismo tiempo conecta con aquella querelle ya existente en la Edad Media— aparece un ser múltiple y complejo que se contradice y que sigue invocando aquel imborrable «Ser o no ser, esa es la cuestión…» como lema, golpeándonos la tensión social patente que mantiene y rige la supuesta ideología dominante de la “sociedad del conocimiento” donde la naturaleza es el “mal mismo” (aún) según el progreso, y donde cada Aufklärung parece generar una Contra-Aufklärung, esto es, una crítica al conocimiento.” […]

César Novella

Bio:

A lo largo de su trayectoria, Vinuesa ha sido premiado en diversos certámenes de pintura de entre los cuales destacan el Premio del Colegio de Gestores de Valencia (2008), el Premio Senyera (2015) o la Bienal Mª Isabel Comenge (2017). También ha sido galardonado con becas como la de la Casa de Velázquez (Madrid, 2015) y la Beca CAM de Artes Plásticas para desarrollar “Wild Pulse”, su primer proyecto audiovisual (Londres, 2012).

Ha realizado exposiciones en galerías nacionales e internacionales, participado en ferias y, paralelamente, su notable interés por explorar nuevas disciplinas le ha llevado a colaborar con otros artistas.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería Luis Adelantado

Nelo Vinuesa

Territorio y refugio

La obra de Nelo Vinuesa se enmarca dentro de la exposición colectiva “Territorio y refugio” que presenta la galería Luis Adelantado en la presente edición de Abierto València.

“¿Qué quiere decir Aufklärung hoy en día?, ¿qué tiene que ver la Aufklärung con el territorio valenciano?, ¿cómo generar una muestra de proyectos artísticos de diferentes artistas contemporáneos dentro del contexto de la Comunidad Valenciana, los cuales transmiten una idea de refugio frente a la omnipotencia del miedo, invocando ciertas ideas de “magia” que no supondrían una reducción del ser humano al Unmündigkeit kantiano entendido éste como “individuo no autónomo”?

En la actual disolución del ser —que al mismo tiempo conecta con aquella querelle ya existente en la Edad Media— aparece un ser múltiple y complejo que se contradice y que sigue invocando aquel imborrable «Ser o no ser, esa es la cuestión…» como lema, golpeándonos la tensión social patente que mantiene y rige la supuesta ideología dominante de la “sociedad del conocimiento” donde la naturaleza es el “mal mismo” (aún) según el progreso, y donde cada Aufklärung parece generar una Contra-Aufklärung, esto es, una crítica al conocimiento.” […]

César Novella

Bio:

A lo largo de su trayectoria, Vinuesa ha sido premiado en diversos certámenes de pintura de entre los cuales destacan el Premio del Colegio de Gestores de Valencia (2008), el Premio Senyera (2015) o la Bienal Mª Isabel Comenge (2017). También ha sido galardonado con becas como la de la Casa de Velázquez (Madrid, 2015) y la Beca CAM de Artes Plásticas para desarrollar “Wild Pulse”, su primer proyecto audiovisual (Londres, 2012).

Ha realizado exposiciones en galerías nacionales e internacionales, participado en ferias y, paralelamente, su notable interés por explorar nuevas disciplinas le ha llevado a colaborar con otros artistas.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Territorio y refugio

Shiras Galería

Carlos Sebastiá

La evanescencia de lo cotidiano

Entiendo la identidad como la solidificación de un instante o estado que aporta una sensación de permanencia, trascendencia y estabilidad. Este modelo, cuando se ve alterado, entra en conflicto. Mi trabajo explora la topología de nuestras ideas y como la mente genera espacios donde lo onírico se mezcla con la subjetivación de la realidad, reproduciendo un nuevo estado de cosas. Suponiendo que el cambio es un estado continuo, investigo el papel del olvido como elemento distorsionador y creativo. Al igual que la aparición de la fotografía transformó nuestra manera de entender los recuerdos y de comprender nuestro entorno. Durante la última década la digitalización de las imágenes y su uso masivo y cotidiano a través de las redes sociales ha supuesto un giro absoluto que aún no alcanzamos a ver en su totalidad. El proyecto analiza el papel que juegan los sistemas digitales de registro de la información visual y su comparativa o relación con modelos clásicos analógicos a la hora de comprender los límites entre lo real y lo ficticio, entre el olvido y la reconstrucción de recuerdos. […]

Carlos Sebastiá

Bio:

Titulado en Bellas Artes de la Universidad Politécnica de València, estudió también en CAFA (Academia Central de Bellas Artes, Beijing) durante un año, y finalmente se mudó a Londres para su MFA en la UAL (Universidad de las Artes de Londres) que terminó con distinciones.

Ha expuesto en España, Portugal, Francia, EE. UU., China, Austria y el Reino Unido, en diferentes festivales, ferias de arte o galerías.
Ha completado residencias de artistas en Islandia con motivo de la Bienal Internacional de Arte Fresh Wind, Austria, España, Reino Unido y China. Algunas de sus obras se encuentran en importantes colecciones privadas como, así como públicas, entre ellas, DKV Collection.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Shiras Galería

Carlos Sebastiá

La evanescencia de lo cotidiano

Entiendo la identidad como la solidificación de un instante o estado que aporta una sensación de permanencia, trascendencia y estabilidad. Este modelo, cuando se ve alterado, entra en conflicto. Mi trabajo explora la topología de nuestras ideas y como la mente genera espacios donde lo onírico se mezcla con la subjetivación de la realidad, reproduciendo un nuevo estado de cosas. Suponiendo que el cambio es un estado continuo, investigo el papel del olvido como elemento distorsionador y creativo. Al igual que la aparición de la fotografía transformó nuestra manera de entender los recuerdos y de comprender nuestro entorno. Durante la última década la digitalización de las imágenes y su uso masivo y cotidiano a través de las redes sociales ha supuesto un giro absoluto que aún no alcanzamos a ver en su totalidad. El proyecto analiza el papel que juegan los sistemas digitales de registro de la información visual y su comparativa o relación con modelos clásicos analógicos a la hora de comprender los límites entre lo real y lo ficticio, entre el olvido y la reconstrucción de recuerdos. […]

Carlos Sebastiá

Bio:

Titulado en Bellas Artes de la Universidad Politécnica de València, estudió también en CAFA (Academia Central de Bellas Artes, Beijing) durante un año, y finalmente se mudó a Londres para su MFA en la UAL (Universidad de las Artes de Londres) que terminó con distinciones.

Ha expuesto en España, Portugal, Francia, EE. UU., China, Austria y el Reino Unido, en diferentes festivales, ferias de arte o galerías.
Ha completado residencias de artistas en Islandia con motivo de la Bienal Internacional de Arte Fresh Wind, Austria, España, Reino Unido y China. Algunas de sus obras se encuentran en importantes colecciones privadas como, así como públicas, entre ellas, DKV Collection.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

La evanescencia de lo cotidiano

TUESDAY TO FRIDAY

Philip Gerald

Henry Matisse a cool life

Los nuevos trabajos de Philip Gerald apuntan directamente a la figura del Matisse, si bien no estamos ante un homenaje ni tampoco ante una relectura irónica. A Gerald le interesan las capacidades de las nuevas herramientas tecnológicas para transformar nuestros modos de ver, y cómo estas herramientas operan al ser aplicadas sobre obras emblemáticas de la alta cultura. Este gesto, que parece un mero juego irreverente, esconde en realidad una lúcida reflexión: si el arte ha sido siempre una «realidad virtual», es decir, una producción de mundos posibles, ¿acaso no es el ámbito de lo digital el terreno idóneo para una concepción actual de la imagen plástica? De hecho, Gerald problematiza esta cuestión cuando traslada sus composiciones digitales al tradicional soporte pictórico: sus figuras parecen haber sido elaboradas digitalmente a través de un precario editor de imágenes; sin embargo, su traslado al lienzo parece gestionar, de manera automática, una legitimación de su trabajo como indiscutible obra de arte. […]

Carlos Delgado Mayordomo

Bio:

Los cuadros humorísticos de Philip Gerald se remontan a una época de clip art y pintura de Microsoft, de imágenes burdas que se transmitían por todo el mundo a través de la majestuosidad de la conexión telefónica a Internet. Vive y trabaja en Dublín. Estudió Bellas Artes, Escultura y Cultura Visual en el Colegio Nacional de Arte y Diseño de Dublín, antes de abandonar en el tercer año para desarrollar sus habilidades como escritor. Un personaje flemático, Gerald no se preocupa demasiado por la forma en que su trabajo es recibido, sino que elige centrarse en disfrutar del proceso.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

TUESDAY TO FRIDAY

Philip Gerald

Henry Matisse a cool life

Los nuevos trabajos de Philip Gerald apuntan directamente a la figura del Matisse, si bien no estamos ante un homenaje ni tampoco ante una relectura irónica. A Gerald le interesan las capacidades de las nuevas herramientas tecnológicas para transformar nuestros modos de ver, y cómo estas herramientas operan al ser aplicadas sobre obras emblemáticas de la alta cultura. Este gesto, que parece un mero juego irreverente, esconde en realidad una lúcida reflexión: si el arte ha sido siempre una «realidad virtual», es decir, una producción de mundos posibles, ¿acaso no es el ámbito de lo digital el terreno idóneo para una concepción actual de la imagen plástica? De hecho, Gerald problematiza esta cuestión cuando traslada sus composiciones digitales al tradicional soporte pictórico: sus figuras parecen haber sido elaboradas digitalmente a través de un precario editor de imágenes; sin embargo, su traslado al lienzo parece gestionar, de manera automática, una legitimación de su trabajo como indiscutible obra de arte. […]

Carlos Delgado Mayordomo

Bio:

Los cuadros humorísticos de Philip Gerald se remontan a una época de clip art y pintura de Microsoft, de imágenes burdas que se transmitían por todo el mundo a través de la majestuosidad de la conexión telefónica a Internet. Vive y trabaja en Dublín. Estudió Bellas Artes, Escultura y Cultura Visual en el Colegio Nacional de Arte y Diseño de Dublín, antes de abandonar en el tercer año para desarrollar sus habilidades como escritor. Un personaje flemático, Gerald no se preocupa demasiado por la forma en que su trabajo es recibido, sino que elige centrarse en disfrutar del proceso.

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Henry Matisse a cool life

Galería Vangar

María Marchirant

La bañera rusa

Desde la talasoterapia o aprovechamiento de las propiedades terapéuticas del agua del mar hasta el uso lúdico que de la misma hacemos, se establecen una serie de vínculos entre los humanos y la acción de bañarse en el mar.

En esta ocasión La bañera de la rusa recibe el nombre de un recoveco en el litoral mediterráneo, suficiente para introducirse en el agua a la sombra de las rocas. Este lugar, llamado así por los locales, era el lugar predilecto de baño de la mujer de un coronel zarista, que huyendo de la revolución rusa de 1917 fue a parar a esta zona costera. Aparentemente los pescadores de la zona le pusieron este nombre por la costumbre de la señora de bañarse desnuda. Esta pequeña historia acompaña la narrativa de la exposición, en medio de la sala por si alguien lo olvida, una escalera de piscina nos da el acceso, quizás, a todo este universo flotante. […]

Bio:

María Marchirant graduada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, completando su formación en la Akademia Sztuk Pięknych en Krákow, Polonia. A su vuelta cursa el Máster en Producción Artística en la UPV (2018). Durante este periodo desarrolla un proyecto de investigación y producción que toma el paisaje y la naturaleza como coproductores en la pintura.

Sus obras, caracterizadas por el gesto del vertido y la aguada, han sido seleccionadas en certámenes cómo PAMPAM!19 , PIAC (Nau Bòstik, Barcelona, 2017), en el Premio de Pintura Juan Francés (2016) y cómo semifinalista en la Beca TFAC (2017).

Hasta la fecha ha expuesto en muestras colectivas en València, Barcelona, Madrid, Krakòw, Gdansk y Londres, entre otras ciudades.

Desde 2018 trabaja con la galería de arte Vangar (València).

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

Galería Vangar

María Marchirant

La bañera rusa

Desde la talasoterapia o aprovechamiento de las propiedades terapéuticas del agua del mar hasta el uso lúdico que de la misma hacemos, se establecen una serie de vínculos entre los humanos y la acción de bañarse en el mar.

En esta ocasión La bañera de la rusa recibe el nombre de un recoveco en el litoral mediterráneo, suficiente para introducirse en el agua a la sombra de las rocas. Este lugar, llamado así por los locales, era el lugar predilecto de baño de la mujer de un coronel zarista, que huyendo de la revolución rusa de 1917 fue a parar a esta zona costera. Aparentemente los pescadores de la zona le pusieron este nombre por la costumbre de la señora de bañarse desnuda. Esta pequeña historia acompaña la narrativa de la exposición, en medio de la sala por si alguien lo olvida, una escalera de piscina nos da el acceso, quizás, a todo este universo flotante. […]

Bio:

María Marchirant graduada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, completando su formación en la Akademia Sztuk Pięknych en Krákow, Polonia. A su vuelta cursa el Máster en Producción Artística en la UPV (2018). Durante este periodo desarrolla un proyecto de investigación y producción que toma el paisaje y la naturaleza como coproductores en la pintura.

Sus obras, caracterizadas por el gesto del vertido y la aguada, han sido seleccionadas en certámenes cómo PAMPAM!19 , PIAC (Nau Bòstik, Barcelona, 2017), en el Premio de Pintura Juan Francés (2016) y cómo semifinalista en la Beca TFAC (2017).

Hasta la fecha ha expuesto en muestras colectivas en València, Barcelona, Madrid, Krakòw, Gdansk y Londres, entre otras ciudades.

Desde 2018 trabaja con la galería de arte Vangar (València).

Votaciones abiertas desde el 24 de septiembre al 1 de octubre.

La bañera rusa

Un premio que tú también vas a saborear

El Premio Popular Cervezas Alhambra se hará público el próximo 2 de octubre. Tienes hasta el 1 de octubre para visitar las galerías y conocer en primera persona las obras que participan. Tómate tu tiempo y disfruta el proceso. Y si ya tienes clara tu elección, participa con nosotros a través de tu voto.

Entre todos los participantes en la votación del premio vamos a sortear 5 packs de Cervezas Alhambra. 

LAVAC y Cervezas Alhambra os invitan a formar parte del arte en Abierto València, el evento en el que puedes conocer las principales galerías y artistas contemporáneos de la ciudad en un ruta muy especial.