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Abierto València

2ª Edición Premio Cervezas Alhambra

LAVAC y Cervezas Alhambra abren una ventana al arte con la nueva edición del Premio Cervezas Alhambra Abierto València 2021.

Descubre todas las candidaturas y brinda tu voto a aquella que crees que más lo merece.

Cervezas Alhambra brinda su compromiso al arte emergente

Cervezas Alhambra vuelve a brindar su apoyo al arte emergente contemporáneo con el Premio Cervezas Alhambra Abierto València 2021, una iniciativa de crear/sin/prisa.

Un proyecto que nos acerca tanto a las mejores galerías como a los artistas emergentes y que busca difundir y potenciar la labor de los creadores.
Una forma de reflejar cómo entendemos la vida y de poner en valor nuestro compromiso con la creación.

Con vuestro voto seréis jueces del resultado final por eso os pedimos que os toméis vuestro tiempo para descubrir sin prisa todas las candidaturas.

crear / sin / prisa

Un premio que decides tú

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Votaciones abiertas desde el 23 hasta el 30 de septiembre.

Gabinete de Dibujos

Gabinete de Dibujos

Santiago Talavera

El Pasado Habrá Sido un Planeta Extraño

En marzo de 2020 la exposición Hauntopolis de Santiago Talavera estaba programada en el CEART de Fuenlabrada cuando el tsunami pandémico barrió la programación expositiva mundial. Meses después, una segunda ola de contagios impidió las visitas del público a la muestra ya montada. Así se mantuvo casi inédito un proyecto que invitaba a la reflexión sobre nuestra relación con el entorno y tuvo que ser con motivo de una pandemia sospechosa de encontrar su causa en la degradación de los ecosistemas.

En septiembre de 2021, una evolución del proyecto Hauntopolis, de nuevo presentado y prologado por Fernando Castro Flórez, se abre al público en el Gabinete de dibujos en Valencia. El pasado habrá sido un planeta extraño reúne dibujos minuciosos de Santiago Talavera sobre diferentes soportes, incluídos escombros, formando un interesante bucle entre el soporte y la representación, y hallando una respuesta al dilema de la sostenibilidad de la propia actividad artística. Patios de butacas vacíos, animales que deambulan entre humo y cascotes en paisajes posthumanos… vuelven a invitarnos aún con más razón a repensar nuestras vidas y el impacto que ejercemos en el mundo.

El pasado habrá sido un planeta extraño se inaugurará el 23 de setiembre y estará en el Gabinete de dibujos hasta diciembre de 2021 siempre y cuando la pandemia y la climatología extrema cada vez más frecuente lo permitan.

BIO AUTOR:

Santiago Talavera (Albacete, 1979) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y por la Camberwell College of Arts en Londres, su obra se ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa de A Coruña, La Casa Encendida y la Real Academia de Bellas Artes en Madrid, el Instituto Cervantes de Chicago y el Berlin Freires Museum, además de haber participado en ferias como Art Fair Sudáfrica, Arte Santander o Just Madrid.

Su obra forma parte de colecciones como la del Museo de Arte Contemporáneo de A Coruña, la Colección Solo, la Fundación Fernando Mª Centenera Jaraba, la Obra Social Caja Madrid, la Facultad de Bellas Artes de la UCM, la Universidad Complutense de Madrid, el Ayuntamiento de Albacete y de San Lorenzo del Escorial y la Universidad Nacional a Distancia.

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Santiago Talavera

Gabinete de Dibujos

Santiago Talavera

El Pasado Habrá Sido un Planeta Extraño

En marzo de 2020 la exposición Hauntopolis de Santiago Talavera estaba programada en el CEART de Fuenlabrada cuando el tsunami pandémico barrió la programación expositiva mundial. Meses después, una segunda ola de contagios impidió las visitas del público a la muestra ya montada. Así se mantuvo casi inédito un proyecto que invitaba a la reflexión sobre nuestra relación con el entorno y tuvo que ser con motivo de una pandemia sospechosa de encontrar su causa en la degradación de los ecosistemas.

En septiembre de 2021, una evolución del proyecto Hauntopolis, de nuevo presentado y prologado por Fernando Castro Flórez, se abre al público en el Gabinete de dibujos en Valencia. El pasado habrá sido un planeta extraño reúne dibujos minuciosos de Santiago Talavera sobre diferentes soportes, incluídos escombros, formando un interesante bucle entre el soporte y la representación, y hallando una respuesta al dilema de la sostenibilidad de la propia actividad artística. Patios de butacas vacíos, animales que deambulan entre humo y cascotes en paisajes posthumanos… vuelven a invitarnos aún con más razón a repensar nuestras vidas y el impacto que ejercemos en el mundo.

El pasado habrá sido un planeta extraño se inaugurará el 23 de setiembre y estará en el Gabinete de dibujos hasta diciembre de 2021 siempre y cuando la pandemia y la climatología extrema cada vez más frecuente lo permitan.

BIO AUTOR:

Santiago Talavera (Albacete, 1979) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y por la Camberwell College of Arts en Londres, su obra se ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa de A Coruña, La Casa Encendida y la Real Academia de Bellas Artes en Madrid, el Instituto Cervantes de Chicago y el Berlin Freires Museum, además de haber participado en ferias como Art Fair Sudáfrica, Arte Santander o Just Madrid.

Su obra forma parte de colecciones como la del Museo de Arte Contemporáneo de A Coruña, la Colección Solo, la Fundación Fernando Mª Centenera Jaraba, la Obra Social Caja Madrid, la Facultad de Bellas Artes de la UCM, la Universidad Complutense de Madrid, el Ayuntamiento de Albacete y de San Lorenzo del Escorial y la Universidad Nacional a Distancia.

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El Pasado Habrá Sido un Planeta Extraño

House of Chapazz

House of Chapazz

Ovidi Benet

Una Cruzada de Pasiones

House Of Chappaz presenta la exposición colectiva Una cruzada de pasiones. El proyecto se inspira en los relatos y testimonios relacionados con el auge y caída de un momento de efervescencia cultural en torno a la ciudad de València en las décadas de los ochenta y noventa. Aquel momento dejó huella entre los valencianos, tanto en su historia como en su forma de recoger esa época en la actualidad. Las piezas que se presentan en la muestra, algunas de ellas producidas exprofeso, materializan esa sensación: esa mezcla de fascinación por vivir «algo que se genera» y que no pudo llegar a producirse, pero que forma parte de la historia y del ADN valenciano. Una cruzada de pasiones está comisariada por Ali A. Maderuelo y Julia Castelló.

Destroy 2021, es la pieza que House of Chappaz presenta al Premio Cervezas Alhambra.

La propuesta, trata de provocar una escena que genera una historia entorno a la destrucción; el auge y la caída de un movimiento como “Laruta” a través de un objeto icono, un elemento, una sensación lumínica, una atmósfera de ficción artificiosa que genera una escena completa. Escena que resume todos sus etapas e incluso la resurrección de la misma a través de un imaginario actual reinterpretado, la destrucción es el fin de un ciclo para avanzar hacia otro. A través de la destrucción la pieza muta y se transforma, consiguiendo una nueva identidad a través de la anterior.

BIO AUTOR:

Ovidi Benet (Denia, 1990) diseñador de formación y artista visual, nace con el arranque de la década de los noventa, unos años marcados por una prosperidad artificiosa en las economías modernas y la consagración de una globalización que será el germen de muchos de los problemas a escala global que, hoy, treinta años después, enfrentamos. Se ha formado en distintas instituciones dentro de las disciplinas de diseño y arte,entre ellas la Escola d’Art i Superior de Disseny de València, pasando por disciplinas como publicidad para posteriormente en enfocarse en el diseño, formándose en la antigua Escuela de Artes y Oficios de Madrid, hoy Escuela Arte diez, así como diseño retail en IED Madrid, además de la escuela de diseño experimental francesa Domaine BoisBuchet. Iniciando su trayectoria en el arte contemporáneo en 2018, ha realizado proyectos expositivos colectivos e individuales. Su trabajo es fruto de un viaje a través de un mundo matérico de vanguardia y un universo espacial que pretende romper con el academicismo adquirido durante todos sus años de aprendizaje, con el objetivo de difuminar la línea entre arte y diseño y reinterpretar imaginarios nítidos. Compone, así, un retrato generacional que combina el desencanto y la búsqueda de nuevas expresiones. La obra de Ovidi, esconde un pensamiento crítico y social. Un cuestionamiento a través de la escena, lo onírico, lo estético-funcional y de cómo es percibido por el individuo. Se destruye lo ‘sobrediseñado’ para adquirir una nueva personalidad.

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Ovidi Benet

House of Chapazz

Ovidi Benet

Una Cruzada de Pasiones

House Of Chappaz presenta la exposición colectiva Una cruzada de pasiones. El proyecto se inspira en los relatos y testimonios relacionados con el auge y caída de un momento de efervescencia cultural en torno a la ciudad de València en las décadas de los ochenta y noventa. Aquel momento dejó huella entre los valencianos, tanto en su historia como en su forma de recoger esa época en la actualidad. Las piezas que se presentan en la muestra, algunas de ellas producidas exprofeso, materializan esa sensación: esa mezcla de fascinación por vivir «algo que se genera» y que no pudo llegar a producirse, pero que forma parte de la historia y del ADN valenciano. Una cruzada de pasiones está comisariada por Ali A. Maderuelo y Julia Castelló.

Destroy 2021, es la pieza que House of Chappaz presenta al Premio Cervezas Alhambra.

La propuesta, trata de provocar una escena que genera una historia entorno a la destrucción; el auge y la caída de un movimiento como “Laruta” a través de un objeto icono, un elemento, una sensación lumínica, una atmósfera de ficción artificiosa que genera una escena completa. Escena que resume todos sus etapas e incluso la resurrección de la misma a través de un imaginario actual reinterpretado, la destrucción es el fin de un ciclo para avanzar hacia otro. A través de la destrucción la pieza muta y se transforma, consiguiendo una nueva identidad a través de la anterior.

BIO AUTOR:

Ovidi Benet (Denia, 1990) diseñador de formación y artista visual, nace con el arranque de la década de los noventa, unos años marcados por una prosperidad artificiosa en las economías modernas y la consagración de una globalización que será el germen de muchos de los problemas a escala global que, hoy, treinta años después, enfrentamos. Se ha formado en distintas instituciones dentro de las disciplinas de diseño y arte,entre ellas la Escola d’Art i Superior de Disseny de València, pasando por disciplinas como publicidad para posteriormente en enfocarse en el diseño, formándose en la antigua Escuela de Artes y Oficios de Madrid, hoy Escuela Arte diez, así como diseño retail en IED Madrid, además de la escuela de diseño experimental francesa Domaine BoisBuchet. Iniciando su trayectoria en el arte contemporáneo en 2018, ha realizado proyectos expositivos colectivos e individuales. Su trabajo es fruto de un viaje a través de un mundo matérico de vanguardia y un universo espacial que pretende romper con el academicismo adquirido durante todos sus años de aprendizaje, con el objetivo de difuminar la línea entre arte y diseño y reinterpretar imaginarios nítidos. Compone, así, un retrato generacional que combina el desencanto y la búsqueda de nuevas expresiones. La obra de Ovidi, esconde un pensamiento crítico y social. Un cuestionamiento a través de la escena, lo onírico, lo estético-funcional y de cómo es percibido por el individuo. Se destruye lo ‘sobrediseñado’ para adquirir una nueva personalidad.

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Una Cruzada de Pasiones

Galería Vangar

Galería Vangar

Vicent Machí

Atlas

El término Atlas se define como la colección sistémica de mapas de diversa índole, usualmente, geográfica o histórica, de un territorio concreto y que suelen presentarse en un volumen. En términos generales se entiende como una agrupación de descripciones pertenecientes a una cierta disciplina. A lo largo de la historia, el artista ha descrito su entorno estableciendo el paisaje como un motivo al que recurrentemente acude la pintura. Bajo la ligera influencia de referencias urbanas, Vicent Machí presenta su obra en la que el sentido cromático invade el lienzo y donde el registro pictórico muestra sus posibilidades a partir de sus elementos más propios: la línea y la mancha; el trazo y la superficie; la dirección y la extensión. El paisaje urbano y sus aspectos más pictóricos, sirven como premisa en una obra ensimismada, que se describe a sí misma, que utiliza la pintura como principal motivo y recurre a sus propios elementos como recursos en su elaboración, dotando al proceso y a la construcción de la imagen de protagonismo. Esta muestra, por tanto, no es más que una cartografía que presenta el imagina-rio visual del artista; por una parte, muestra el diálogo urbano recorrido, vivido y habitado, que de cierta manera influye en las pinturas y, por otra parte, vemos el lenguaje pictórico del cual hace uso el autor para construir sus propias imágenes.

BIO AUTOR:

Vicent Machí (Valencia, 1997) se traslada a Milán para formarse en pintura y poética de la fotografía entre 2017 y 2018 en la Accademia di Belle Arti diBrera. En su estancia en la ciudad italiana realiza varios proyectos. Finaliza el grado en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València, donde posteriormente realiza estudios de Máster en Producción artística. Su obra ha sido mostrada varias ocasiones en exposiciones individuales en Barcelona y València, así como colectivas en Madrid, Xàtiva, València y Milán. En los últimos años ha sido seleccionado y premiado en certámenes y becas nacionales como el XXV Premio de pintura Ciutat d’Algemesí, el XXII Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y el II premio Bienal de Pintura Mª Isabel Comenge, entre otros. Las temáticas presentes en su obra se centran en el propio proceso pictórico y se aprecian referencias al paisaje y territorio urbano, estando presente en mayor o menor medida en cada una de las series realizadas. Además, el azar tiene un papel fundamental en el proceso de creación. En la mayoría de las obras se establecen juegos y diálogos con el color, siendo este un gran protagonista en sus cuadros, por lo que estos son una especie de lazo visual para el espectador.

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Vicent Machí

Galería Vangar

Vicent Machí

Atlas

El término Atlas se define como la colección sistémica de mapas de diversa índole, usualmente, geográfica o histórica, de un territorio concreto y que suelen presentarse en un volumen. En términos generales se entiende como una agrupación de descripciones pertenecientes a una cierta disciplina. A lo largo de la historia, el artista ha descrito su entorno estableciendo el paisaje como un motivo al que recurrentemente acude la pintura. Bajo la ligera influencia de referencias urbanas, Vicent Machí presenta su obra en la que el sentido cromático invade el lienzo y donde el registro pictórico muestra sus posibilidades a partir de sus elementos más propios: la línea y la mancha; el trazo y la superficie; la dirección y la extensión. El paisaje urbano y sus aspectos más pictóricos, sirven como premisa en una obra ensimismada, que se describe a sí misma, que utiliza la pintura como principal motivo y recurre a sus propios elementos como recursos en su elaboración, dotando al proceso y a la construcción de la imagen de protagonismo. Esta muestra, por tanto, no es más que una cartografía que presenta el imagina-rio visual del artista; por una parte, muestra el diálogo urbano recorrido, vivido y habitado, que de cierta manera influye en las pinturas y, por otra parte, vemos el lenguaje pictórico del cual hace uso el autor para construir sus propias imágenes.

BIO AUTOR:

Vicent Machí (Valencia, 1997) se traslada a Milán para formarse en pintura y poética de la fotografía entre 2017 y 2018 en la Accademia di Belle Arti diBrera. En su estancia en la ciudad italiana realiza varios proyectos. Finaliza el grado en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València, donde posteriormente realiza estudios de Máster en Producción artística. Su obra ha sido mostrada varias ocasiones en exposiciones individuales en Barcelona y València, así como colectivas en Madrid, Xàtiva, València y Milán. En los últimos años ha sido seleccionado y premiado en certámenes y becas nacionales como el XXV Premio de pintura Ciutat d’Algemesí, el XXII Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y el II premio Bienal de Pintura Mª Isabel Comenge, entre otros. Las temáticas presentes en su obra se centran en el propio proceso pictórico y se aprecian referencias al paisaje y territorio urbano, estando presente en mayor o menor medida en cada una de las series realizadas. Además, el azar tiene un papel fundamental en el proceso de creación. En la mayoría de las obras se establecen juegos y diálogos con el color, siendo este un gran protagonista en sus cuadros, por lo que estos son una especie de lazo visual para el espectador.

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Atlas

Tuesday to Friday

Tuesday to Friday

Alex Gambín

Mapa de Traslado

Alex Gambín indaga y escoge una intersección atravesada por la heterogeneidad que refleja este debate: los traslados de objetos artísticos, entre los que se encuentran los de la colección del Museo del Prado, frente a la Guerra Civil Española; un plan para alejar el fuego que parecía amenazar con arrastrar todo al olvido. ¿Son estos objetos patrimonio cultural o representaciones de poder? A lo largo de esta propuesta expositiva se recopila toda clase de estrategias administrativas en favor de un autodenominado ejercicio de prevención. Mediante el dibujo, el artista traza grandes figuras embaladas, carros, camiones o personas mecanografiando sin descanso. Un titánico dispositivo de instrumentalización archivista a contrareloj que Gambín fragmenta. Un recorrido por los fantasmas de la guerra que atenaza con la amenaza de la pérdida de imágenes.

BIO AUTOR:

Mi producción gira en torno a cuestiones sociales o culturales, todo ello envuelto por un enorme interés por la memoria, utilizando mecanismos que propongan al espectador un juego reflexivo con las obras. La elección de esta serie de temas está relacionado con el análisis, a través de lenguajes plásticos, de la conexión que existe entre nuestro pasado y el presente que habitamos. La motivación principal proviene, además de todo aquello que tiene que ver con la investigación conceptual, de la constante batalla con el medio pictórico que me mantiene en una continua producción artística. Gran número de referencias tanto artísticas, literarias o incluso cotidianas me sirven como puntos de inspiración a la hora de proponerme nuevos proyectos. La intención más directa de mi trabajo es poder construir una serie de mecanismos en la dialéctica entre obra-espectador que den pie a reflexiones y cuestionamientos por parte de todos los agentes participantes, como lo puedo ser yo, o como ya he comentado anteriormente, el público.

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Alex Gambín

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Alex Gambín

Mapa de Traslado

Alex Gambín indaga y escoge una intersección atravesada por la heterogeneidad que refleja este debate: los traslados de objetos artísticos, entre los que se encuentran los de la colección del Museo del Prado, frente a la Guerra Civil Española; un plan para alejar el fuego que parecía amenazar con arrastrar todo al olvido. ¿Son estos objetos patrimonio cultural o representaciones de poder? A lo largo de esta propuesta expositiva se recopila toda clase de estrategias administrativas en favor de un autodenominado ejercicio de prevención. Mediante el dibujo, el artista traza grandes figuras embaladas, carros, camiones o personas mecanografiando sin descanso. Un titánico dispositivo de instrumentalización archivista a contrareloj que Gambín fragmenta. Un recorrido por los fantasmas de la guerra que atenaza con la amenaza de la pérdida de imágenes.

BIO AUTOR:

Mi producción gira en torno a cuestiones sociales o culturales, todo ello envuelto por un enorme interés por la memoria, utilizando mecanismos que propongan al espectador un juego reflexivo con las obras. La elección de esta serie de temas está relacionado con el análisis, a través de lenguajes plásticos, de la conexión que existe entre nuestro pasado y el presente que habitamos. La motivación principal proviene, además de todo aquello que tiene que ver con la investigación conceptual, de la constante batalla con el medio pictórico que me mantiene en una continua producción artística. Gran número de referencias tanto artísticas, literarias o incluso cotidianas me sirven como puntos de inspiración a la hora de proponerme nuevos proyectos. La intención más directa de mi trabajo es poder construir una serie de mecanismos en la dialéctica entre obra-espectador que den pie a reflexiones y cuestionamientos por parte de todos los agentes participantes, como lo puedo ser yo, o como ya he comentado anteriormente, el público.

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Mapa de Traslado

Galería Thema

Galería Thema

Beatriz Díaz y Teté Durá

Even If

Damos por sentado que en el arte el acto de la creación pertenece por entero al hecho estético en sí, como si sólo lo halláramos en lo estrictamente artístico. Sin embargo, basta con emprender un recorrido por las obras de algunos artistas para comprender al cabo que el arte es invención de la realidad, fabulación sin límites y alegoría de la propia imagen. Al final, de una forma u otra, cuando alcanzamos un pacto con el arte, llegamos siempre a ese lugar que existe en nuestra imaginación, al disfrute pleno, al diálogo con la poesía, incluso si…

BIO AUTOR:

Teté Durá (Alicante, 1962)ensalza el rostro femenino desde un sitio propio, de ahí que sea materia prima para ella, porción esencial de su arte. Es el alfa y el omega, el paisaje sobre el que ha decidido representar sus juicios, obras que surgen ante el espectador como (re)presentación de sus estados de ánimo. El rostro femenino en estado de introspección, se hibrida a la hoja de palma, a la materia, a sus planos y niveles lingüísticos, para así conformar un nuevo signo, para trascender el estado de la pintura y volverse forma.A partir de la belleza de los rostros, Teté construye todo un sutil imaginario donde lo mínimo ofrece la sustancia para lo bello, el refinamiento y la sencillez. En esencia, es un signo que delibera sobre la belleza, y que va de lo carnal y lo puramente humano a lo metafísico y espiritual.

“No me leas, mírame” es como titula la propia Beatriz Díaz(Oviedo, 1971)a una serie de trabajos. El trabajo escultórico de Beatriz se presenta de golpe como un ejercicio semántico altamente instruido desde la aleatoriedad que caracteriza el propio lenguaje. Beatriz sabe esto, y justamente ahí radica la fuerza expresiva de su arte: en la desautomatización del lenguaje, tarea más que compleja si se entiende el lenguaje como herramienta que permite actuar en la realidad.

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Beatriz Díaz y Teté Durá

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Beatriz Díaz y Teté Durá

Even If

Damos por sentado que en el arte el acto de la creación pertenece por entero al hecho estético en sí, como si sólo lo halláramos en lo estrictamente artístico. Sin embargo, basta con emprender un recorrido por las obras de algunos artistas para comprender al cabo que el arte es invención de la realidad, fabulación sin límites y alegoría de la propia imagen. Al final, de una forma u otra, cuando alcanzamos un pacto con el arte, llegamos siempre a ese lugar que existe en nuestra imaginación, al disfrute pleno, al diálogo con la poesía, incluso si…

BIO AUTOR:

Teté Durá (Alicante, 1962)ensalza el rostro femenino desde un sitio propio, de ahí que sea materia prima para ella, porción esencial de su arte. Es el alfa y el omega, el paisaje sobre el que ha decidido representar sus juicios, obras que surgen ante el espectador como (re)presentación de sus estados de ánimo. El rostro femenino en estado de introspección, se hibrida a la hoja de palma, a la materia, a sus planos y niveles lingüísticos, para así conformar un nuevo signo, para trascender el estado de la pintura y volverse forma.A partir de la belleza de los rostros, Teté construye todo un sutil imaginario donde lo mínimo ofrece la sustancia para lo bello, el refinamiento y la sencillez. En esencia, es un signo que delibera sobre la belleza, y que va de lo carnal y lo puramente humano a lo metafísico y espiritual.

“No me leas, mírame” es como titula la propia Beatriz Díaz(Oviedo, 1971)a una serie de trabajos. El trabajo escultórico de Beatriz se presenta de golpe como un ejercicio semántico altamente instruido desde la aleatoriedad que caracteriza el propio lenguaje. Beatriz sabe esto, y justamente ahí radica la fuerza expresiva de su arte: en la desautomatización del lenguaje, tarea más que compleja si se entiende el lenguaje como herramienta que permite actuar en la realidad.

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Even If

The Liminal

The Liminal

Melanie Teresa Bohrer

White Lies Carve Canyons

Tras la insurrección del Capitolio de Estados Unidos en enero de 2021 escribí “This Apple”. Seis meses antes, el Reichstag era asaltado por neonazis en Berlín. En ambos casos, banderas letales ondeaban en el cielo y el derramamiento de sangre era palpable: gotas de agua cautivas en el aire en un día caluroso antes de una tormenta catastrófica. Los medios de comunicación regurgitan incansablemente los horrores de los continuos asaltos a (lo que reclaman como) nuestras democracias. ¿Pero, qué hacemos nosotros, si es que hacemos algo? El nacionalismo en su perpetua cruzada por colonizar. ¿O es el capitalismo? ¿Hay alguna diferencia? ~ Melanie Teresa Bohrer

White lies carve canyons nace de esta reflexión y primer poema: ‘This Apple’, y lo hace como un libro de artista de dimensiones variables que se extiende en la totalidad del espacio de la galería y que solo se completa y activa con la participación del público.

Del mismo modo que las historias de nuestras naciones dejan en nosotros su impronta, también lo hacen las materias esenciales que conforman la pieza: el grafito y el óxido de hierro. Ambos pigmentos nos acompañan desde la Antigüedad, utilizados para marcar, teñir, conservar y corroer; materias aún muy presentes en nuestro día a día, con las que, conscientes de ello o no, estamos en contacto directo.

En el centro de la sala, se suma una pieza de seda extendida en forma de elipse – sin principio ni final, que nos invita a intervenir sobre ella a través de dos sencillos gestos: remendar o cortar, cada uno de los cuales dejará una impronta diferente sobre la tela (el hilo impregnado en óxido; la tijera en grafito) transformando a su vez la huella del otro.

White lies carve canyons es una propuesta abierta y colectiva que nos permite relacionarnos con la obra de la artista de forma sensorial no solamente a través de las manos, sino con todo el cuerpo y especialmente con nuestro cuerpo en conversación con los de otros; explorando cómo a través de acciones cotidianas, coser y cortar, y fuerzas necesarias, construir y destruir, hilvanamos el tejido conectivo que nos conforma como sociedad.

BIO AUTOR:

Melanie Teresa Bohrer creció en Múnich (Alemania) y lleva 12 años viviendo en Estados Unidos (de forma intermitente). Obtuvo su Máster en Producción Artística a través del Departamento de Medios Impresos en la School of the Art Institute of Chicago y, anteriormente, su Licenciatura en Grabado en la Rhode Island School of Design. Fue copropietaria de Candor Arts, y actualmente trabaja como miembro fundador de Candor Collective; ambos proyectos tienen por objetivo proporcionar un sistema de apoyo y cuidado a artistas dentro de la industria editorial. Además, trabaja como diseñadora y copropietaria de Em Design Studio. Como artista, gran parte de sus esfuerzos se han centrado en la creación de libros de artista en la más amplia definición del medio. Actualmente está representada por The Liminal, galería-productora de arte contemporáneo con sede en Valencia, España.

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Melanie Teresa Bohrer

The Liminal

Melanie Teresa Bohrer

White Lies Carve Canyons

Tras la insurrección del Capitolio de Estados Unidos en enero de 2021 escribí “This Apple”. Seis meses antes, el Reichstag era asaltado por neonazis en Berlín. En ambos casos, banderas letales ondeaban en el cielo y el derramamiento de sangre era palpable: gotas de agua cautivas en el aire en un día caluroso antes de una tormenta catastrófica. Los medios de comunicación regurgitan incansablemente los horrores de los continuos asaltos a (lo que reclaman como) nuestras democracias. ¿Pero, qué hacemos nosotros, si es que hacemos algo? El nacionalismo en su perpetua cruzada por colonizar. ¿O es el capitalismo? ¿Hay alguna diferencia? ~ Melanie Teresa Bohrer

White lies carve canyons nace de esta reflexión y primer poema: ‘This Apple’, y lo hace como un libro de artista de dimensiones variables que se extiende en la totalidad del espacio de la galería y que solo se completa y activa con la participación del público.

Del mismo modo que las historias de nuestras naciones dejan en nosotros su impronta, también lo hacen las materias esenciales que conforman la pieza: el grafito y el óxido de hierro. Ambos pigmentos nos acompañan desde la Antigüedad, utilizados para marcar, teñir, conservar y corroer; materias aún muy presentes en nuestro día a día, con las que, conscientes de ello o no, estamos en contacto directo.

En el centro de la sala, se suma una pieza de seda extendida en forma de elipse – sin principio ni final, que nos invita a intervenir sobre ella a través de dos sencillos gestos: remendar o cortar, cada uno de los cuales dejará una impronta diferente sobre la tela (el hilo impregnado en óxido; la tijera en grafito) transformando a su vez la huella del otro.

White lies carve canyons es una propuesta abierta y colectiva que nos permite relacionarnos con la obra de la artista de forma sensorial no solamente a través de las manos, sino con todo el cuerpo y especialmente con nuestro cuerpo en conversación con los de otros; explorando cómo a través de acciones cotidianas, coser y cortar, y fuerzas necesarias, construir y destruir, hilvanamos el tejido conectivo que nos conforma como sociedad.

BIO AUTOR:

Melanie Teresa Bohrer creció en Múnich (Alemania) y lleva 12 años viviendo en Estados Unidos (de forma intermitente). Obtuvo su Máster en Producción Artística a través del Departamento de Medios Impresos en la School of the Art Institute of Chicago y, anteriormente, su Licenciatura en Grabado en la Rhode Island School of Design. Fue copropietaria de Candor Arts, y actualmente trabaja como miembro fundador de Candor Collective; ambos proyectos tienen por objetivo proporcionar un sistema de apoyo y cuidado a artistas dentro de la industria editorial. Además, trabaja como diseñadora y copropietaria de Em Design Studio. Como artista, gran parte de sus esfuerzos se han centrado en la creación de libros de artista en la más amplia definición del medio. Actualmente está representada por The Liminal, galería-productora de arte contemporáneo con sede en Valencia, España.

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White Lies Carve Canyons

Shiras Galería

Shiras Galería

Cristina Gamón

Espejismos

Espejismos hace referencia a la doble realidad que representa la tradición pictórica a través de la idea del reflejo como ilusionismo. El reflejo por su virtualidad es en sí mismo una metáfora; una imagen de por sí abstracta.

Gamón (Valencia, 1987) describe el proyecto como una reflexión sobre la retórica del cuadro como marco y espacio para la re-presentación, abarcando el espacio expositivo como “márgenes ocupados”. Asimismo, cuestiones como el valor de la imagen, el parecido y el simulacro encuentran su reflejo especular en temáticas como la construcción de la mirada sobre uno mismo o la mise en abyme. Todo ello compone la primera exposición individual e inédita de la artista para Shiras Galería en la celebración de Abierto Valencia 2021.

Las piezas de la serie Umbrales, realizadas ex profeso para la muestra, tienen su influencia en la evolución del pensamiento romántico a través de la pintura. Así pues, el paisajismo nórdico se convierte en el protagonista de su abstracción. Un abismo de roca, un acantilado de vértigo o la apertura de luz al final de una gruta se transforman en espacios simbólicos que representan esa metáfora de oposición interior-exterior tan propia de la época. Esta experiencia da un paso más allá con los cuadros de su serie Umbrales, tratándose de espejos para la introspección.

Así describe el proyecto el crítico Alfonso de la Torre: “[…]la pintura de Gamón es, también, la revelación de una conciencia, pintura anhelante de una creadora donde es capital el aspecto trascendente de sus pinturas, pues esos “espejos” parecen mencionar la búsqueda de una trascendencia de quien las pintó, como simbolizando una llamada a devenir otra, su desplazamiento a un reino de gracia.”

BIO AUTOR:

Cristina Gamón (Valencia, 1987) galardonada a los 24 años de edad de la mano de S.M la Reina Doña Sofía con la Medalla de Oro del Premio Nacional BMW de Pintura, Premio Senyera de Pintura por el Ayuntamiento de Valencia y Premio Nacional Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, entre otros, trabaja delicadas obras en abstracción lírica expresionista con el fin de cautivar la pulsión contemplativa en el espectador a través de sus hipnóticas atmósferas de color combinadas con la fragilidad de los soportes plásticos transparentes. A su trayectoria se suma la carrera desarrollada en Manila (Filipinas), donde comenzó a trabajar tras su residencia realizada en 2018.

Su obra ha sido expuesta en numerosas ferias de arte a nivel nacional e internacional y se encuentra presente en colecciones públicas y privadas como son BMW Ibérica S.A. (Madrid), Ayuntamiento de Valencia, Real Academia de Bellas Artes de Valencia, Universidad Rey Juan Carlos de Aranjuez (Madrid), Colección privada Rafael Canogar o la Colección privada Pierre Cardin (París), entre otras muchas.

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Cristina Gamón

Shiras Galería

Cristina Gamón

Espejismos

Espejismos hace referencia a la doble realidad que representa la tradición pictórica a través de la idea del reflejo como ilusionismo. El reflejo por su virtualidad es en sí mismo una metáfora; una imagen de por sí abstracta.

Gamón (Valencia, 1987) describe el proyecto como una reflexión sobre la retórica del cuadro como marco y espacio para la re-presentación, abarcando el espacio expositivo como “márgenes ocupados”. Asimismo, cuestiones como el valor de la imagen, el parecido y el simulacro encuentran su reflejo especular en temáticas como la construcción de la mirada sobre uno mismo o la mise en abyme. Todo ello compone la primera exposición individual e inédita de la artista para Shiras Galería en la celebración de Abierto Valencia 2021.

Las piezas de la serie Umbrales, realizadas ex profeso para la muestra, tienen su influencia en la evolución del pensamiento romántico a través de la pintura. Así pues, el paisajismo nórdico se convierte en el protagonista de su abstracción. Un abismo de roca, un acantilado de vértigo o la apertura de luz al final de una gruta se transforman en espacios simbólicos que representan esa metáfora de oposición interior-exterior tan propia de la época. Esta experiencia da un paso más allá con los cuadros de su serie Umbrales, tratándose de espejos para la introspección.

Así describe el proyecto el crítico Alfonso de la Torre: “[…]la pintura de Gamón es, también, la revelación de una conciencia, pintura anhelante de una creadora donde es capital el aspecto trascendente de sus pinturas, pues esos “espejos” parecen mencionar la búsqueda de una trascendencia de quien las pintó, como simbolizando una llamada a devenir otra, su desplazamiento a un reino de gracia.”

BIO AUTOR:

Cristina Gamón (Valencia, 1987) galardonada a los 24 años de edad de la mano de S.M la Reina Doña Sofía con la Medalla de Oro del Premio Nacional BMW de Pintura, Premio Senyera de Pintura por el Ayuntamiento de Valencia y Premio Nacional Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, entre otros, trabaja delicadas obras en abstracción lírica expresionista con el fin de cautivar la pulsión contemplativa en el espectador a través de sus hipnóticas atmósferas de color combinadas con la fragilidad de los soportes plásticos transparentes. A su trayectoria se suma la carrera desarrollada en Manila (Filipinas), donde comenzó a trabajar tras su residencia realizada en 2018.

Su obra ha sido expuesta en numerosas ferias de arte a nivel nacional e internacional y se encuentra presente en colecciones públicas y privadas como son BMW Ibérica S.A. (Madrid), Ayuntamiento de Valencia, Real Academia de Bellas Artes de Valencia, Universidad Rey Juan Carlos de Aranjuez (Madrid), Colección privada Rafael Canogar o la Colección privada Pierre Cardin (París), entre otras muchas.

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Votaciones abiertas desde el 23 hasta el 30 de septiembre.

Espejismos

Shiras Galería

Shiras Galería

Agustín Serisuelo

XYZ

La interpretación experiencial del territorio es la motivación que origina la práctica artística de Agustín Serisuelo (Castellón, 1981), desde un marcado interés por el territorio más inmediato y sus connotaciones como elemento vertebrador de identidad social y memoria. El proyecto XYZ que se presenta en el Espacio Refugio de Shiras Galería en la próxima edición de Abierto Valencia, es un acercamiento a la arquitectura bélica que se encuentra en las inmediaciones de su lugar de residencia que pertenecen a la línea defensiva de la ciudad de Valencia. La experiencia personal en este territorio lleno de significaciones es el acto principal del proyecto, utilizando la imagen como detonante formal para su posterior manipulación, alteración y reconfiguración. Además, aplica una estética reduccionista desde actitudes formales y materiales que aportan un carácter escultórico que transfiere entre imagen, soporte y objeto.

Tal y como el crítico Álvaro de los Ángeles define el proyecto: “Las fotografías devienen imágenes dérmicas, una piel que se adapta a los volúmenes de un cuerpo-tronco, de un fragmento-codo, de un árbol convertido ya únicamente en madera. Al hacerlo, la superficialidad alcanza otro valor. No es aquello que no profundiza y que se acalla rápido, sino justamente todo lo que puede alcanzar y todas las cosas que puede alterar con su imagen omnipresente y ubicua. El paisaje es marca de piel, herida, cicatriz o poro; el principio de un proceso nuevo de búsqueda.”

BIO AUTOR:

Serisuelo (Castellón, 1981) a sus 40 años es un artista multidisciplinar que trabaja con la imagen fotográfica y su cuestionamiento ontológico desde planteamientos escultóricos y formales.

A lo largo de su trayectoria ha sido galardonado y seleccionado en numerosos premios como los Premios Mardel Artes Visuales (Centro del Carmen Cultura Contemporánea CCC, Valencia) o el Premio artes plásticas Ciudad de Castellón. Asimismo, ha participado en ferias como ARCO junto al Stand EACC y el Ayuntamiento de Castellón (Madrid).

Sus obras se encuentran en diversas colecciones públicas y privadas entre las que destacan el Plan artístico Valenciano de la Generalitat Valenciana, la Universidad Politécnica de Valencia y el Ayuntamiento de Castellón.

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Agustín Serisuelo

Shiras Galería

Agustín Serisuelo

XYZ

La interpretación experiencial del territorio es la motivación que origina la práctica artística de Agustín Serisuelo (Castellón, 1981), desde un marcado interés por el territorio más inmediato y sus connotaciones como elemento vertebrador de identidad social y memoria. El proyecto XYZ que se presenta en el Espacio Refugio de Shiras Galería en la próxima edición de Abierto Valencia, es un acercamiento a la arquitectura bélica que se encuentra en las inmediaciones de su lugar de residencia que pertenecen a la línea defensiva de la ciudad de Valencia. La experiencia personal en este territorio lleno de significaciones es el acto principal del proyecto, utilizando la imagen como detonante formal para su posterior manipulación, alteración y reconfiguración. Además, aplica una estética reduccionista desde actitudes formales y materiales que aportan un carácter escultórico que transfiere entre imagen, soporte y objeto.

Tal y como el crítico Álvaro de los Ángeles define el proyecto: “Las fotografías devienen imágenes dérmicas, una piel que se adapta a los volúmenes de un cuerpo-tronco, de un fragmento-codo, de un árbol convertido ya únicamente en madera. Al hacerlo, la superficialidad alcanza otro valor. No es aquello que no profundiza y que se acalla rápido, sino justamente todo lo que puede alcanzar y todas las cosas que puede alterar con su imagen omnipresente y ubicua. El paisaje es marca de piel, herida, cicatriz o poro; el principio de un proceso nuevo de búsqueda.”

BIO AUTOR:

Serisuelo (Castellón, 1981) a sus 40 años es un artista multidisciplinar que trabaja con la imagen fotográfica y su cuestionamiento ontológico desde planteamientos escultóricos y formales.

A lo largo de su trayectoria ha sido galardonado y seleccionado en numerosos premios como los Premios Mardel Artes Visuales (Centro del Carmen Cultura Contemporánea CCC, Valencia) o el Premio artes plásticas Ciudad de Castellón. Asimismo, ha participado en ferias como ARCO junto al Stand EACC y el Ayuntamiento de Castellón (Madrid).

Sus obras se encuentran en diversas colecciones públicas y privadas entre las que destacan el Plan artístico Valenciano de la Generalitat Valenciana, la Universidad Politécnica de Valencia y el Ayuntamiento de Castellón.

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XYZ

Galería Rosa Santos

Galería Rosa Santos

Mar Reykjavik

La Risa de la Barriga

Tres caracoles en los dedos,
en el pelo.
Se suspenden en la sala aluminio y letras.
Las siete vocales de una lengua:
A E E I O O U
Moraduras.
La risa de la barriga es una sensación que provoca más risa de la barriga.
Un columpio de plata, ácido, de garganta y mordex; bocata que caliento en una estufa
—que si que podem parlar així—.
Tila Tiri Tisa Tide Tila Tiba Tirri Tiga.
hago una bola con todo eso
Esto es un apunte sobre el repertorio propio que atiende a su naturaleza vinculante. Una manera de asumirlo como material político-poético desde donde inferir un todo, forma y flujo, volumen. Un ensayo sobre la complicidad, la disciplina, la lengua. Rasca, envuelve, palabrita. Decir. Duro. Dedo. Pecho pintado en una fachada.
U U U,
quien se ría,
Pagará

BIO AUTOR:

Hacer es la mejor forma de pensar. Trabajo la imagen que me toca y la arrojo de nuevo engranada. A veces hay risa. Mi ejercicio es el de acercar las cosas para justificar un contexto. La materialización de mis proyectos suele tomar la forma de un ensayo que se articula entre la acción, el video y la instalación. Solo desde el cuerpo podremos salvar la imagen. Me interesa juntar, abrir. Las cosas. Esto, lo otro. El teatro. A veces hay texto. El giro, el pliegue, de nuevo la imagen, que ya no tiene poder autónomo y aún así lo descubre todo.

Es Máster en MasterLav ‘Laboratorio de creación audiovisual contemporánea’ y graduada en Bellas Artes por la Universitat Politécnica de València.

Su trabajo se ha expuesto/proyectado en espacios a nivel nacional como Pols, La Gallera, Fundació La Posta, Octubre CCC y el Muvim en Valencia, CA2M, La Casa Encendida, Storm And Drunk, Casabanchel o Cineteca de Matadero en Madrid, Angels Barcelona o Zumzeig Cinema en Barcelona, Fundación Bilbaoarte o El Respiradero en el País Vasco, Da2 Artium en Salamanca, Centro José Guerrero en Granada, COAC en Tenerife e internacionales como Galeria NGBK en Berlín, Spacio Franco en Palermo, SupermarketArtFair en Estocolmo o el Centro Cultural el Recoleta en Buenos Aires.

Ha sido artista residente en Cultura Resident (2020), Centro Huarte (2020), Resistències del GVA en Valencia (2019 y 2021), Artistas En Residencia CA2M+La Casa Encendida (2019) Fundación Bilbaoarte (2018) o Espacio Oculto (2017). Ha dado/ da clases en Master Lav ’Laboratorio de creación audiovisual contemporánea’ , La Fotoescuela, MACA Máster de arquitectura experimental en el COAM, Centro Huarte, La Colmena y en centros de educación pública como parte de les Resistències del GVA Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

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Mar Reykjavik

Galería Rosa Santos

Mar Reykjavik

La Risa de la Barriga

Tres caracoles en los dedos,
en el pelo.
Se suspenden en la sala aluminio y letras.
Las siete vocales de una lengua:
A E E I O O U
Moraduras.
La risa de la barriga es una sensación que provoca más risa de la barriga.
Un columpio de plata, ácido, de garganta y mordex; bocata que caliento en una estufa
—que si que podem parlar així—.
Tila Tiri Tisa Tide Tila Tiba Tirri Tiga.
hago una bola con todo eso
Esto es un apunte sobre el repertorio propio que atiende a su naturaleza vinculante. Una manera de asumirlo como material político-poético desde donde inferir un todo, forma y flujo, volumen. Un ensayo sobre la complicidad, la disciplina, la lengua. Rasca, envuelve, palabrita. Decir. Duro. Dedo. Pecho pintado en una fachada.
U U U,
quien se ría,
Pagará

BIO AUTOR:

Hacer es la mejor forma de pensar. Trabajo la imagen que me toca y la arrojo de nuevo engranada. A veces hay risa. Mi ejercicio es el de acercar las cosas para justificar un contexto. La materialización de mis proyectos suele tomar la forma de un ensayo que se articula entre la acción, el video y la instalación. Solo desde el cuerpo podremos salvar la imagen. Me interesa juntar, abrir. Las cosas. Esto, lo otro. El teatro. A veces hay texto. El giro, el pliegue, de nuevo la imagen, que ya no tiene poder autónomo y aún así lo descubre todo.

Es Máster en MasterLav ‘Laboratorio de creación audiovisual contemporánea’ y graduada en Bellas Artes por la Universitat Politécnica de València.

Su trabajo se ha expuesto/proyectado en espacios a nivel nacional como Pols, La Gallera, Fundació La Posta, Octubre CCC y el Muvim en Valencia, CA2M, La Casa Encendida, Storm And Drunk, Casabanchel o Cineteca de Matadero en Madrid, Angels Barcelona o Zumzeig Cinema en Barcelona, Fundación Bilbaoarte o El Respiradero en el País Vasco, Da2 Artium en Salamanca, Centro José Guerrero en Granada, COAC en Tenerife e internacionales como Galeria NGBK en Berlín, Spacio Franco en Palermo, SupermarketArtFair en Estocolmo o el Centro Cultural el Recoleta en Buenos Aires.

Ha sido artista residente en Cultura Resident (2020), Centro Huarte (2020), Resistències del GVA en Valencia (2019 y 2021), Artistas En Residencia CA2M+La Casa Encendida (2019) Fundación Bilbaoarte (2018) o Espacio Oculto (2017). Ha dado/ da clases en Master Lav ’Laboratorio de creación audiovisual contemporánea’ , La Fotoescuela, MACA Máster de arquitectura experimental en el COAM, Centro Huarte, La Colmena y en centros de educación pública como parte de les Resistències del GVA Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

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La Risa de la Barriga

Galería Punto

Galería Punto

Victoria Iranzo

Dressing Islands

DRESSING ISLANDS funciona como vinculo de relaciones de incertidumbre que se entremezclan entre la experiencia y la ilusión, donde la artista se retrata como una creadora en constante evolución, influenciable, progenitora y filtro entre mundos, ideóloga de nuevas realidades que puede moldear y manipular a su antojo, implantando sus propias reglas para desafiar los embates de la razón y el orden.
En la obra de Victoria debemos prestar atención a tres hitos importantes: La imagen como fragmento, como recorte, de escenarios planificados y construidos a modo de utopías, dioramas cargados de experiencias donde los planos intercalados por colores sugerentes y diseños de estampados sirven para construir el camino a la isla, al jardín, la fantasía del paraíso que protege a la autora por medio del proceso y la soledad del estudio. El proceso como tiempo, como escenario de manipulación, de evolución y adaptación, de aprendizaje, de sociabilidad y calado. Y La obra como viaje, como camino, escondite o refugio; como propio sedimento y huella de un sobrevenir.

DRESSING ISLANDS nos anima a emprender este viaje en soledad ya que es la aventura que pone en riesgo al espectador, enfrentándolo a un escenario intimo lleno de ambivalencias, de relaciones intuitivas entre realidades y ficciones, entre las imágenes y sus significados, entre construcciones y representaciones.
El texto de la sala corre a cargo del crítico invitado David Barro y el 13 y 14 de octubre se podrán hacer visitas guiadas con aforo limitado y bajo riguroso orden de inscripción, de unos 50 minutos de duración en los que se hablará sobre el diseño de una exposición, los relatos que se construyen en una galería de arte, las partes de una exposición y la lectura de una obra dentro de un contexto.

BIO AUTOR:

VICTORIA IRANZO, 1989, Cuenca

Formación y becas

2015-2016 – Máster en Artes Visuales (Summa cum laude) en la Royal Academy of Fine Arts, Amberes. Bélgica.
2014-2015 – Beca Mario Antolín a la producción pictórica.
2012 -2013 – Máster en Producción Artística en la Facultad de Bellas Artes San Carlos. UPV.
2010-2011 – Beca Erasmus en L’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de la Cambre. Bruselas, Bélgica.
2008-2009 – Beca al mejor expediente académico por la Universidad Politécnica de Valencia.
2007-2012 – Licenciada en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes San Carlos. Universidad Politécnica de Valencia.

Exposiciones individuales

2021
“Dressing Islands”. Galería Punto, Valencia, España.
2016
“ToBe Project”. Galería At the gallery. Amberes, Bélgica.
“Bubble world”. Galería Área72, Valencia.
2015
“Fabric Cocoon”. Galería Walden Contemporary. Valencia
Últimas exposiciones colectivas
2020
“La nit del foc”, La Vicaría, Puente de Génave, España.
“Feria Marte”, Castellón, España.
2019
“Velvet Ropes”, Showhose jayjay, Ámberes, Bélgica.
“Guadalupe”, Forbidden City, Ámberes, Bélgica.
“Im a painter don’t tell me what to paint, I will paint flowers if I want, I will paint dead bodies if I want”, Galería Punto, Valencia, España.
2018
“Bob’s your uncle”, Showhouse jayjay. Ámberes, Bélgica.
“Ideaal is ideal”, Oude Beurs. Ámberes, Bélgica.

Premios y convocatorias

2020 Primer premio XXXV edición Premio de pintura BMW
2016 Selección y participación en VI Encontro de artistas novos, Cidade da cultura, Galicia.
2015 Selección Concurso de pintura Guasch Coranty
2014 Beca Mario Antolín de Ayuda a la investigación Pictórica y Medalla de Honor en el XXIX Premio de pintura BMW.
Selección en la 75ª Exposición internacional de artes plásticas de Valdepeñas
2013 Primer premio Concurso de pintura Ximen D’Urrea, Alcora, Castellón.
2012 Mención de Honor en el Premio de Pintura Vila de Puçol.

Obra en fundaciones

-Colección BMW Ibérica, S.A.
-Fundación Newcastle.
-Fundación Juan José Castellano Comenge.

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Victoria Iranzo

Galería Punto

Victoria Iranzo

Dressing Islands

DRESSING ISLANDS funciona como vinculo de relaciones de incertidumbre que se entremezclan entre la experiencia y la ilusión, donde la artista se retrata como una creadora en constante evolución, influenciable, progenitora y filtro entre mundos, ideóloga de nuevas realidades que puede moldear y manipular a su antojo, implantando sus propias reglas para desafiar los embates de la razón y el orden.
En la obra de Victoria debemos prestar atención a tres hitos importantes: La imagen como fragmento, como recorte, de escenarios planificados y construidos a modo de utopías, dioramas cargados de experiencias donde los planos intercalados por colores sugerentes y diseños de estampados sirven para construir el camino a la isla, al jardín, la fantasía del paraíso que protege a la autora por medio del proceso y la soledad del estudio. El proceso como tiempo, como escenario de manipulación, de evolución y adaptación, de aprendizaje, de sociabilidad y calado. Y La obra como viaje, como camino, escondite o refugio; como propio sedimento y huella de un sobrevenir.

DRESSING ISLANDS nos anima a emprender este viaje en soledad ya que es la aventura que pone en riesgo al espectador, enfrentándolo a un escenario intimo lleno de ambivalencias, de relaciones intuitivas entre realidades y ficciones, entre las imágenes y sus significados, entre construcciones y representaciones.
El texto de la sala corre a cargo del crítico invitado David Barro y el 13 y 14 de octubre se podrán hacer visitas guiadas con aforo limitado y bajo riguroso orden de inscripción, de unos 50 minutos de duración en los que se hablará sobre el diseño de una exposición, los relatos que se construyen en una galería de arte, las partes de una exposición y la lectura de una obra dentro de un contexto.

BIO AUTOR:

VICTORIA IRANZO, 1989, Cuenca

Formación y becas

2015-2016 – Máster en Artes Visuales (Summa cum laude) en la Royal Academy of Fine Arts, Amberes. Bélgica.
2014-2015 – Beca Mario Antolín a la producción pictórica.
2012 -2013 – Máster en Producción Artística en la Facultad de Bellas Artes San Carlos. UPV.
2010-2011 – Beca Erasmus en L’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de la Cambre. Bruselas, Bélgica.
2008-2009 – Beca al mejor expediente académico por la Universidad Politécnica de Valencia.
2007-2012 – Licenciada en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes San Carlos. Universidad Politécnica de Valencia.

Exposiciones individuales

2021
“Dressing Islands”. Galería Punto, Valencia, España.
2016
“ToBe Project”. Galería At the gallery. Amberes, Bélgica.
“Bubble world”. Galería Área72, Valencia.
2015
“Fabric Cocoon”. Galería Walden Contemporary. Valencia
Últimas exposiciones colectivas
2020
“La nit del foc”, La Vicaría, Puente de Génave, España.
“Feria Marte”, Castellón, España.
2019
“Velvet Ropes”, Showhose jayjay, Ámberes, Bélgica.
“Guadalupe”, Forbidden City, Ámberes, Bélgica.
“Im a painter don’t tell me what to paint, I will paint flowers if I want, I will paint dead bodies if I want”, Galería Punto, Valencia, España.
2018
“Bob’s your uncle”, Showhouse jayjay. Ámberes, Bélgica.
“Ideaal is ideal”, Oude Beurs. Ámberes, Bélgica.

Premios y convocatorias

2020 Primer premio XXXV edición Premio de pintura BMW
2016 Selección y participación en VI Encontro de artistas novos, Cidade da cultura, Galicia.
2015 Selección Concurso de pintura Guasch Coranty
2014 Beca Mario Antolín de Ayuda a la investigación Pictórica y Medalla de Honor en el XXIX Premio de pintura BMW.
Selección en la 75ª Exposición internacional de artes plásticas de Valdepeñas
2013 Primer premio Concurso de pintura Ximen D’Urrea, Alcora, Castellón.
2012 Mención de Honor en el Premio de Pintura Vila de Puçol.

Obra en fundaciones

-Colección BMW Ibérica, S.A.
-Fundación Newcastle.
-Fundación Juan José Castellano Comenge.

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Dressing Islands

Galería Luis Adelantado

Galería Luis Adelantado

José Luis Cremades

Algo Así Cercano a Nada

Luis Adelantado abre esta nueva temporada del 2021 con la primera exposición individual en la galería del artista José Luis Cremades (Ibi, 1979). En las cuatro plantas se podrán ver pinturas de diferentes formatos tanto en lienzo como papel, material con el que ha comenzado a experimentar el artista.

La obra del artista supone una reflexión en torno a la práctica pictórica en sí misma, entendida por el artista como un lenguaje vivo en constante transformación. A través de los recursos propios de la misma —composición, color, textura, ritmo…— construye obras abstractas de presencia y significado único.

De este modo Cremades, ofrece al espectador un espacio de contemplación y reflexión casi místico, espiritual, en el que el resultado de su práctica e insistencia constante en la pintura, termina por desvelarnos lo que antes permanecía oculto.

BIO AUTOR:

La obra de José Luis Cremades supone una reflexión en torno a la práctica pictórica en si misma, entendida por el artista como un lenguaje vivo en constante transformación. A través de los recursos propios de la misma —composición, color, textura, ritmo…— construye obras abstractas de presencia y significado único. De este modo Cremades, ofrece al espectador un espacio de contemplación y reflexión casi místico, espiritual, en el que el resultado de su práctica e insistencia constante en la pintura, termina por desvelarnos lo que antes permanecía oculto. Ha expuesto su obra en instituciones como el Centro Párraga, Murcia, o el MuVIM, Valencia; así como el MAC, A Coruña, Casal Solleric, Palma de Mallorca y Centre del Carme Cultura Contemporània, Valencia. Así mismo, su trabajo ha sido merecedor de distinciones como la medalla de honor del premio pintura BMW, la Beca Alfons Roig o el Premio de adquisición III Ibercaja

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José Luis Cremades

Galería Luis Adelantado

José Luis Cremades

Algo Así Cercano a Nada

Luis Adelantado abre esta nueva temporada del 2021 con la primera exposición individual en la galería del artista José Luis Cremades (Ibi, 1979). En las cuatro plantas se podrán ver pinturas de diferentes formatos tanto en lienzo como papel, material con el que ha comenzado a experimentar el artista.

La obra del artista supone una reflexión en torno a la práctica pictórica en sí misma, entendida por el artista como un lenguaje vivo en constante transformación. A través de los recursos propios de la misma —composición, color, textura, ritmo…— construye obras abstractas de presencia y significado único.

De este modo Cremades, ofrece al espectador un espacio de contemplación y reflexión casi místico, espiritual, en el que el resultado de su práctica e insistencia constante en la pintura, termina por desvelarnos lo que antes permanecía oculto.

BIO AUTOR:

La obra de José Luis Cremades supone una reflexión en torno a la práctica pictórica en si misma, entendida por el artista como un lenguaje vivo en constante transformación. A través de los recursos propios de la misma —composición, color, textura, ritmo…— construye obras abstractas de presencia y significado único. De este modo Cremades, ofrece al espectador un espacio de contemplación y reflexión casi místico, espiritual, en el que el resultado de su práctica e insistencia constante en la pintura, termina por desvelarnos lo que antes permanecía oculto. Ha expuesto su obra en instituciones como el Centro Párraga, Murcia, o el MuVIM, Valencia; así como el MAC, A Coruña, Casal Solleric, Palma de Mallorca y Centre del Carme Cultura Contemporània, Valencia. Así mismo, su trabajo ha sido merecedor de distinciones como la medalla de honor del premio pintura BMW, la Beca Alfons Roig o el Premio de adquisición III Ibercaja

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Algo Así Cercano a Nada

Galería La Mercería

Galería La Mercería

Lolo Camino Sos

La Necesidad de lo Salvaje

A mediados del siglo XX, un gran número de valencianos iniciaron un proyecto migratorio hacia un espacio “salvaje e inhóspito” que propiciaba un discurso mediante el cual se potenciaba la idea del valenciano como agente directo de la domesticación del territorio y por ende del cultivo del arroz. Al mismo tiempo, el mito del retorno se establece en el imaginario colectivo del migrante como una fuerte pulsión de fin de ciclo. El abuelo de Lolo fue uno de esos valencianos que, en 1951 se despidió de Sueca para iniciar su andadura en tierras sevillanas. 53 años después, Lolo Camino Sos, nieto del migrante de Sueca, hace realidad la idea del retorno, volviendo a Valencia para iniciar su formación académica.

La obra que hoy contemplamos, es el proceso estibador de años de aprendizaje y liturgia entre campos de arroz. Una conexión generacional surcada por corrientes de acequias, vidas inundables y brotes verdes en cubículos en órbita. Lo salvaje en la obra se proyecta como una liberación interior, una huida impulsiva hacia nuevos territorios donde encontrarse con identidades perdidas, olvidadas o enterradas bajo formas que se superponen. Compartir la aventura, vivir lo nómada, retomar la voz perdida en el fondo de la garganta, sumergir los pies en agua adueñada de un microcosmos celestial. Romperlo, fraccionarlo, hacerlo desaparecer y, en un ejercicio de pérdida voluntaria, entregarse a lo salvaje.

BIO AUTOR:

Lolo Camino Sos (Sevilla, 1983).Artista plástico licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. En su práctica artística cuestiona temas que se remontan a la infancia partiendo de experiencias vinculadas con el plano familiar y social. La identidad es una constante que marca el eje de su trabajo. El hecho de trabajar de manera intuitiva en sus pinturas ha generado un vasto mundo imaginativo, cargado de personajes inéditos y texturas ásperas, donde rescata entre, otras cosas, la crudeza de la realidad de la experiencia vivida. Su obra es una constante reflexión sobre lo que resulta del comportamiento del ser humano en su presente más cercano y distorsionado

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Lolo Camino Sos

Galería La Mercería

Lolo Camino Sos

La Necesidad de lo Salvaje

A mediados del siglo XX, un gran número de valencianos iniciaron un proyecto migratorio hacia un espacio “salvaje e inhóspito” que propiciaba un discurso mediante el cual se potenciaba la idea del valenciano como agente directo de la domesticación del territorio y por ende del cultivo del arroz. Al mismo tiempo, el mito del retorno se establece en el imaginario colectivo del migrante como una fuerte pulsión de fin de ciclo. El abuelo de Lolo fue uno de esos valencianos que, en 1951 se despidió de Sueca para iniciar su andadura en tierras sevillanas. 53 años después, Lolo Camino Sos, nieto del migrante de Sueca, hace realidad la idea del retorno, volviendo a Valencia para iniciar su formación académica.

La obra que hoy contemplamos, es el proceso estibador de años de aprendizaje y liturgia entre campos de arroz. Una conexión generacional surcada por corrientes de acequias, vidas inundables y brotes verdes en cubículos en órbita. Lo salvaje en la obra se proyecta como una liberación interior, una huida impulsiva hacia nuevos territorios donde encontrarse con identidades perdidas, olvidadas o enterradas bajo formas que se superponen. Compartir la aventura, vivir lo nómada, retomar la voz perdida en el fondo de la garganta, sumergir los pies en agua adueñada de un microcosmos celestial. Romperlo, fraccionarlo, hacerlo desaparecer y, en un ejercicio de pérdida voluntaria, entregarse a lo salvaje.

BIO AUTOR:

Lolo Camino Sos (Sevilla, 1983).Artista plástico licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. En su práctica artística cuestiona temas que se remontan a la infancia partiendo de experiencias vinculadas con el plano familiar y social. La identidad es una constante que marca el eje de su trabajo. El hecho de trabajar de manera intuitiva en sus pinturas ha generado un vasto mundo imaginativo, cargado de personajes inéditos y texturas ásperas, donde rescata entre, otras cosas, la crudeza de la realidad de la experiencia vivida. Su obra es una constante reflexión sobre lo que resulta del comportamiento del ser humano en su presente más cercano y distorsionado

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La Necesidad de lo Salvaje

IB Isabel Bilbao Galería de Arte

IB Isabel Bilbao Galería de Arte

Helga Grollo

Triguna

“ …Hay en lo visual algo que hechiza al ojo y le impide penetrar más hondo. La imagen revela, pero también encubre. Sólo lo sonoro, la palabra, puede penetrar en el interior de lo visual y desmentir el contorno provisional de las cosas. El tejido esconde ese otro hechizo, quizá más profundo, en el que se pierden los contornos y se disuelve el individuo. Ése es el trasfondo al que apunta la obra de Grollo. El revés de una trama donde habita una esencia dual: espíritu y naturaleza.”

Juan Arnau, Filósofo y Astrofísico. Universidad de Granada. 2020.

Helga Grollo dirige su investigación hacia el collage textil sobre tabla o lienzo. Utilizando viejos sacos de arpillera, telas de lino, yute o algodón ha generado grandes superficies textiles cosidas o adheridas parcial o completamente que tiñe, pinta e interviene con letras (la palabra). Abandonando la función única de soporte, el textil comparte protagonismo con el color y los demás elementos compositivos aportando profundidad a la imagen, la emoción y el mensaje.

Un acento, visible en las zonas rotas y desgastadas, nos refiere a la práctica japonesa del Kintsugi inspirada Budismo Zen y con frecuencia, corrientes filosóficas orientales que interesan a Grollo se infiltran en estas obras cargadas de color y fuerza, pero también de contención, en una armonía imbuida por el equilibrio de tensiones, como refleja por ejemplo la idea hinduista de los tres hilos de la Triguna.

BIO AUTOR:

1989 Graphic Design, Museum of Fine Arts (Boston, USA)
1986 – 1991 Licenciada en Bellas Artes, Facultad de San Carlos, UPV (Valencia)

EXPOSICIONES:

2021 “El Revés de la trama – Triguna” IB Isabel Bilbao Galería de Arte (Jávea) – “Triguna” Abierto Valencia – Centre del Carme C.C. Espacio cedido a LaVac para IB Galería.
2020 “El revés de la trama” Sala de exposiciones Trinidad 10 (Valencia)
2017 “First light” IB Isabel Bilbao Galería de Arte (Jávea)
2016 “Código de vuelo” Galería Onestudio (Valencia) – “Decode” IB Isabel Bilbao Galería de Arte (Jávea))
2015 “Encriptado” Gran Vía (Valencia)

EXPOSICIONES COLECTIVAS (Selección):

2020 “Universo confinado – arte en tiempos de pandemia” Bombas Gens Centre d’Art (Valencia) – II Bienal de pintura MaIsabel Comenge. Museo Las Atarazanas del Grao (Valencia) – Selected work Prize II Bienal de pintura Fundación Juan José Castellano Comenge (Valencia)
2019 “Tempus quietare. Voluntat contemplativa i art” La Nau centre cultural de la Universidad de Valencia – Selected work  VI premio adquisición Fundación Cañada Blanch (Valencia)
2018 “Panorámica” La Nau centre cultural de la Universidad de Valencia – Selected work V premio adquisición Fundación Cañada Blanch (Valencia)
2017 “Art gift” B&B Arte contemporáneo (Madrid)
2016 Fundación Aveb, donación de obra (Valencia) – “Urban store” Valencia
2015 Fundación Juan Felipe Gómez Escobar, donación de obra (Madrid) – “Quinta avenida” (Valencia) – “Jul konstruction” (Valencia)
2013 “Diálogo” (Valencia)

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Helga Grollo

IB Isabel Bilbao Galería de Arte

Helga Grollo

Triguna

“ …Hay en lo visual algo que hechiza al ojo y le impide penetrar más hondo. La imagen revela, pero también encubre. Sólo lo sonoro, la palabra, puede penetrar en el interior de lo visual y desmentir el contorno provisional de las cosas. El tejido esconde ese otro hechizo, quizá más profundo, en el que se pierden los contornos y se disuelve el individuo. Ése es el trasfondo al que apunta la obra de Grollo. El revés de una trama donde habita una esencia dual: espíritu y naturaleza.”

Juan Arnau, Filósofo y Astrofísico. Universidad de Granada. 2020.

Helga Grollo dirige su investigación hacia el collage textil sobre tabla o lienzo. Utilizando viejos sacos de arpillera, telas de lino, yute o algodón ha generado grandes superficies textiles cosidas o adheridas parcial o completamente que tiñe, pinta e interviene con letras (la palabra). Abandonando la función única de soporte, el textil comparte protagonismo con el color y los demás elementos compositivos aportando profundidad a la imagen, la emoción y el mensaje.

Un acento, visible en las zonas rotas y desgastadas, nos refiere a la práctica japonesa del Kintsugi inspirada Budismo Zen y con frecuencia, corrientes filosóficas orientales que interesan a Grollo se infiltran en estas obras cargadas de color y fuerza, pero también de contención, en una armonía imbuida por el equilibrio de tensiones, como refleja por ejemplo la idea hinduista de los tres hilos de la Triguna.

BIO AUTOR:

1989 Graphic Design, Museum of Fine Arts (Boston, USA)
1986 – 1991 Licenciada en Bellas Artes, Facultad de San Carlos, UPV (Valencia)

EXPOSICIONES:

2021 “El Revés de la trama – Triguna” IB Isabel Bilbao Galería de Arte (Jávea) – “Triguna” Abierto Valencia – Centre del Carme C.C. Espacio cedido a LaVac para IB Galería.
2020 “El revés de la trama” Sala de exposiciones Trinidad 10 (Valencia)
2017 “First light” IB Isabel Bilbao Galería de Arte (Jávea)
2016 “Código de vuelo” Galería Onestudio (Valencia) – “Decode” IB Isabel Bilbao Galería de Arte (Jávea))
2015 “Encriptado” Gran Vía (Valencia)

EXPOSICIONES COLECTIVAS (Selección):

2020 “Universo confinado – arte en tiempos de pandemia” Bombas Gens Centre d’Art (Valencia) – II Bienal de pintura MaIsabel Comenge. Museo Las Atarazanas del Grao (Valencia) – Selected work Prize II Bienal de pintura Fundación Juan José Castellano Comenge (Valencia)
2019 “Tempus quietare. Voluntat contemplativa i art” La Nau centre cultural de la Universidad de Valencia – Selected work  VI premio adquisición Fundación Cañada Blanch (Valencia)
2018 “Panorámica” La Nau centre cultural de la Universidad de Valencia – Selected work V premio adquisición Fundación Cañada Blanch (Valencia)
2017 “Art gift” B&B Arte contemporáneo (Madrid)
2016 Fundación Aveb, donación de obra (Valencia) – “Urban store” Valencia
2015 Fundación Juan Felipe Gómez Escobar, donación de obra (Madrid) – “Quinta avenida” (Valencia) – “Jul konstruction” (Valencia)
2013 “Diálogo” (Valencia)

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Votaciones abiertas desde el 23 hasta el 30 de septiembre.

Triguna

Galería Alba Cabrera

Galería Alba Cabrera

Perceval Graells

Heridas del Alma

La idea del proyecto surge de la necesidad personal de metamorfosear el dolor y el sufrimiento en paz y sosiego a través de la gestualidad y el arte de coser que tradicionalmente realizaban las mujeres.
Paradójicamente habla de dolor en un momento en el cual toda la sociedad queda eclipsada por una pandemia, en el que las personas muertas pasan a ser meras cifras, y en el que todos de alguna manera u otra hemos perdido algo o algún conocido. Entonces este proyecto que habla de dolor es concebido en un momento de dolor y es por eso que este proyecto se convierte en una forma de expresión del dolor más universal. Cualquier persona se puede sentir identificada con este concepto.
Objetivo.
El objetivo es investigar y difundir la obra que indaga en las diferentes formas de experimentación artística, creando un diálogo entre la pintura y la fibra.
Profundizar, al mismo tiempo, en la relación entre el pasado y el presente de la mujer y de cómo se enfrenta al proceso de curar sus heridas. Así se quiere provocar una reflexión personal y psicológica en el proceso de creación, como generar un espacio de intercambio de experiencias entre el espectador la artista y la obra.

BIO AUTOR:

Perceval Graells (Elx. Alicante, 1983) Cursa sus estudios de Bellas Artes en la Universitat de Barcelona y en la Accademia di Brera de Milán. Después de licenciarse en Barcelona, realiza un Máster de Producción Artística en la UPV donde presenta el proyecto El gesto y su lenguaje en la pintura abstracta, cuyas obras son expuestas en la Galería Casar de Alicante bajo el título Un gesto en el silencio.

Viaja a Berlín en 2007 y realiza una residencia artística en Culturia durante el 2008 que culminaría con el proyecto expositivo Huellas en el tiempo. A su vuelta de Berlín presenta esas obras en L’Alfàs del Pi (Alicante). Más tarde, en 2012 expone en la primera edición del ciclo Arte Último. 21 días y una de esas obras se encuentra en el MACVAC de Vilafamés (Castellón).

Vive en París durante 2013 y 2014, donde se inspira y crea su serie Lutetia. Su estancia allí también inspira su serie Moments expuesta en Nueva York en el año 2015. También expone el mismo proyecto en la Fundación Frax de L’Alfàs del Pi (Alicante). En 2016 expone su serie Traçant memòries en la sala La Llotgeta de València y justo después asiste a The Southwest School of Art de Texas (Estados Unidos). A su regreso expone Traçant memòries en la Galería Asombro de Cocentaina (Alicante) en 2017 y Notas y vivencias en el Ateneo de Alicante en 2018.

Durante 2020 realiza una residencia artística en Leipzig (Alemania), donde desarrolla su proyecto Filant prim y lo expone en la Spinnerei de Leipzig. Actualmente vive en Alicante donde trabaja en sus próximos proyectos

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Perceval Graells

Galería Alba Cabrera

Perceval Graells

Heridas del Alma

La idea del proyecto surge de la necesidad personal de metamorfosear el dolor y el sufrimiento en paz y sosiego a través de la gestualidad y el arte de coser que tradicionalmente realizaban las mujeres.
Paradójicamente habla de dolor en un momento en el cual toda la sociedad queda eclipsada por una pandemia, en el que las personas muertas pasan a ser meras cifras, y en el que todos de alguna manera u otra hemos perdido algo o algún conocido. Entonces este proyecto que habla de dolor es concebido en un momento de dolor y es por eso que este proyecto se convierte en una forma de expresión del dolor más universal. Cualquier persona se puede sentir identificada con este concepto.
Objetivo.
El objetivo es investigar y difundir la obra que indaga en las diferentes formas de experimentación artística, creando un diálogo entre la pintura y la fibra.
Profundizar, al mismo tiempo, en la relación entre el pasado y el presente de la mujer y de cómo se enfrenta al proceso de curar sus heridas. Así se quiere provocar una reflexión personal y psicológica en el proceso de creación, como generar un espacio de intercambio de experiencias entre el espectador la artista y la obra.

BIO AUTOR:

Perceval Graells (Elx. Alicante, 1983) Cursa sus estudios de Bellas Artes en la Universitat de Barcelona y en la Accademia di Brera de Milán. Después de licenciarse en Barcelona, realiza un Máster de Producción Artística en la UPV donde presenta el proyecto El gesto y su lenguaje en la pintura abstracta, cuyas obras son expuestas en la Galería Casar de Alicante bajo el título Un gesto en el silencio.

Viaja a Berlín en 2007 y realiza una residencia artística en Culturia durante el 2008 que culminaría con el proyecto expositivo Huellas en el tiempo. A su vuelta de Berlín presenta esas obras en L’Alfàs del Pi (Alicante). Más tarde, en 2012 expone en la primera edición del ciclo Arte Último. 21 días y una de esas obras se encuentra en el MACVAC de Vilafamés (Castellón).

Vive en París durante 2013 y 2014, donde se inspira y crea su serie Lutetia. Su estancia allí también inspira su serie Moments expuesta en Nueva York en el año 2015. También expone el mismo proyecto en la Fundación Frax de L’Alfàs del Pi (Alicante). En 2016 expone su serie Traçant memòries en la sala La Llotgeta de València y justo después asiste a The Southwest School of Art de Texas (Estados Unidos). A su regreso expone Traçant memòries en la Galería Asombro de Cocentaina (Alicante) en 2017 y Notas y vivencias en el Ateneo de Alicante en 2018.

Durante 2020 realiza una residencia artística en Leipzig (Alemania), donde desarrolla su proyecto Filant prim y lo expone en la Spinnerei de Leipzig. Actualmente vive en Alicante donde trabaja en sus próximos proyectos

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Heridas del Alma

Galería Cuatro

Galería Cuatro

Silvia Lerín

Oxide

La artista valenciana Silvia Lerín presenta la exposición titulada ‘Oxide’ (‘Óxido’), un conjunto de obras junto a una serie de grabados estampados por la propia artista mediante técnica ‘Collagraph’, que ha sido desarrollado durante su estancia de once meses en la Casa de Velázquez de Madrid gracias a la ‘Beca Velázquez’ otorgada por el Ayuntamiento de Valencia.

La exposición ‘Oxide’, se inscribe dentro de la serie ‘Copper skin’ (‘Piel de cobre’), una serie autobiográfica que investiga la manera en la que el cobre, durante su proceso de oxidación, produce un verde aturquesado único sobre su superficie resultando en una forma de epidermis del metal. Esto tiene para Silvia Lerín una connotación muy poética, una especie de resurgir fenixiano: el óxido en vez de evocar deterioro y decadencia se convierte en belleza para el ojo además de ser una piel ‘protectora’ del cobre, esta metáfora responde a un momento personal muy positivo en el que se encuentra la artista.

La comisaria Caterina Almirall ha escrito sobre ‘Oxide’:

“El trabajo de Silvia remite al cuerpo a modo de reflexión sobre el paso del tiempo en nuestra piel y en nuestra carne. Sus pinturas toman el oxidado de las esculturas de bronce, el color verde musgo como una forma de reivindicar la belleza del paso del tiempo, de la necesidad de aceptar el cambio. La invasión de la pátina más bien mate que se instala sobre la piel antes tersa y brillante, señala un proceso que es común a todos los cuerpos.”

BIO AUTOR:

Valenciana de nacimiento, Silvia Lerín es licenciada en bellas artes por la Facultad de San Carlos en la Universidad Politécnica de Valencia. Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales en España, Reino Unido y Alemania.

En estos años ha disfrutado tanto becas como residencias artísticas de importantes instituciones internacionales, como la beca Pollock-Krasner Foundation (Nueva York, 2013), la residencia The Florence Trust (Londres, 2016-2017), el premio The Annex Collection Award (Londres, 2017), la residencia ESXLA (Los Angeles, 2018) o la más reciente ‘beca Velázquez’ otorgada por el Ayuntamiento de Valencia que conllevaba la residencia en la Casa de Velázquez (Madrid, 2020-2021) entre otras.

Antes había recibido primeros premios de pintura en numerosos certámenes de la Comunidad Valenciana y de España, como en el IX Premio Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, XLII Salón de Otoño Premio Ateneo Mercantil de Valencia, 11o Bienal de Pintura de Meliana, 24 Certamen Concello de Cambre, XII Certamen Concello de Cangas, XI Certamen de Pintura Salvador Soria, entre otros.

Su obra está presente en colecciones nacionales y extranjeras como Sparkasse Mainz (Alemania), The Annex Collection y Mainfirstbank (Reino Unido) y en colecciones españolas como la de la Generalitat Valenciana, Ibercaja, Fundación Díaz Caneja, Academia de Bellas Artes de San Carlos, Museo de Arte Contemporáneo de Pego, Pinacoteca de Langreo y Colección Bancaixa, entre otras.

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Silvia Lerín

Galería Cuatro

Silvia Lerín

Oxide

La artista valenciana Silvia Lerín presenta la exposición titulada ‘Oxide’ (‘Óxido’), un conjunto de obras junto a una serie de grabados estampados por la propia artista mediante técnica ‘Collagraph’, que ha sido desarrollado durante su estancia de once meses en la Casa de Velázquez de Madrid gracias a la ‘Beca Velázquez’ otorgada por el Ayuntamiento de Valencia.

La exposición ‘Oxide’, se inscribe dentro de la serie ‘Copper skin’ (‘Piel de cobre’), una serie autobiográfica que investiga la manera en la que el cobre, durante su proceso de oxidación, produce un verde aturquesado único sobre su superficie resultando en una forma de epidermis del metal. Esto tiene para Silvia Lerín una connotación muy poética, una especie de resurgir fenixiano: el óxido en vez de evocar deterioro y decadencia se convierte en belleza para el ojo además de ser una piel ‘protectora’ del cobre, esta metáfora responde a un momento personal muy positivo en el que se encuentra la artista.

La comisaria Caterina Almirall ha escrito sobre ‘Oxide’:

“El trabajo de Silvia remite al cuerpo a modo de reflexión sobre el paso del tiempo en nuestra piel y en nuestra carne. Sus pinturas toman el oxidado de las esculturas de bronce, el color verde musgo como una forma de reivindicar la belleza del paso del tiempo, de la necesidad de aceptar el cambio. La invasión de la pátina más bien mate que se instala sobre la piel antes tersa y brillante, señala un proceso que es común a todos los cuerpos.”

BIO AUTOR:

Valenciana de nacimiento, Silvia Lerín es licenciada en bellas artes por la Facultad de San Carlos en la Universidad Politécnica de Valencia. Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales en España, Reino Unido y Alemania.

En estos años ha disfrutado tanto becas como residencias artísticas de importantes instituciones internacionales, como la beca Pollock-Krasner Foundation (Nueva York, 2013), la residencia The Florence Trust (Londres, 2016-2017), el premio The Annex Collection Award (Londres, 2017), la residencia ESXLA (Los Angeles, 2018) o la más reciente ‘beca Velázquez’ otorgada por el Ayuntamiento de Valencia que conllevaba la residencia en la Casa de Velázquez (Madrid, 2020-2021) entre otras.

Antes había recibido primeros premios de pintura en numerosos certámenes de la Comunidad Valenciana y de España, como en el IX Premio Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, XLII Salón de Otoño Premio Ateneo Mercantil de Valencia, 11o Bienal de Pintura de Meliana, 24 Certamen Concello de Cambre, XII Certamen Concello de Cangas, XI Certamen de Pintura Salvador Soria, entre otros.

Su obra está presente en colecciones nacionales y extranjeras como Sparkasse Mainz (Alemania), The Annex Collection y Mainfirstbank (Reino Unido) y en colecciones españolas como la de la Generalitat Valenciana, Ibercaja, Fundación Díaz Caneja, Academia de Bellas Artes de San Carlos, Museo de Arte Contemporáneo de Pego, Pinacoteca de Langreo y Colección Bancaixa, entre otras.

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Un compromiso de Lavac y Cervezas Alhambra para acercarte las mejores propuestas a nuestra ciudad y demostrar porqué apostamos por el talento emergente y el arte contemporáneo.

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