4ª Edición

Premio Cervezas
Alhambra

Abierto València 2023

Con la 4ª edición del Premio Cervezas Alhambra Abierto València 2023,
LAVAC y Cervezas Alhambra abren las puertas al talento emergente del arte contemporáneo.
Ven a disfrutar de cada obra y decide, con tu voto, cuál es la candidatura que más lo merece

Tienes una cita con el arte contemporáneo

El Premio Cervezas Alhambra Abierto València
2023, es una iniciativa que nos abre las puertas de
las galerías para descubrir el talento emergente
contemporáneo.

Una forma de reflejar nuestro estilo de vida y de
poner en valor nuestro compromiso con la creación.

Este 2023, tú eliges el futuro y presente del arte
contemporáneo. Observa todas las candidaturas y
vota tu preferida.

Crear/sin/prisa

El premio está en tu mano

Votaciones abiertas desde el
22 al 28 de septiembre

Galería Alba Cabrera

Jaume Cremades

A través de la línea

La línea es el alma mater y elemento principal de creación de Cremades, a través de la cual genera estructuras abiertas que remiten a las leyes de la naturaleza, en especial a las relativas a sus composiciones vegetales y al origen de las formas orgánicas.

Elementos que componen la obra y que se organizan como seres elásticos que cambian y evolucionan con su entorno, configurando un itinerario plástico en el que la obra progresa siguiendo las exigencias de la propia pintura.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Alba Cabrera

Jaume Cremades

A través de la línea

La línea es el alma mater y elemento principal de creación de Cremades, a través de la cual genera estructuras abiertas que remiten a las leyes de la naturaleza, en especial a las relativas a sus composiciones vegetales y al origen de las formas orgánicas.

Elementos que componen la obra y que se organizan como seres elásticos que cambian y evolucionan con su entorno, configurando un itinerario plástico en el que la obra progresa siguiendo las exigencias de la propia pintura.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

A través de la línea

Galería Alba Cabrera

Francesca Poza

Literatura sin lectura

La sutileza del hilo organiza el tiempo, el vínculo, la continuidad y el ritmo de los fragmentos de la literatura sin lectura. Aquel hilo de Ariadna que guía la memoria dentro del laberinto que, a veces, en el hacerse y deshacerse de la trama, con fidelidad a la duda y la espera de lo inesperado, resurge.

Abstraernos con un poema o novela, vivirlos en nuestro tiempo de lectura o imaginar en otro plano, crear un sentimiento de presencia y vivencia de la imagen.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Alba Cabrera

Francesca Poza

Literatura sin lectura

La sutileza del hilo organiza el tiempo, el vínculo, la continuidad y el ritmo de los fragmentos de la literatura sin lectura. Aquel hilo de Ariadna que guía la memoria dentro del laberinto que, a veces, en el hacerse y deshacerse de la trama, con fidelidad a la duda y la espera de lo inesperado, resurge.

Abstraernos con un poema o novela, vivirlos en nuestro tiempo de lectura o imaginar en otro plano, crear un sentimiento de presencia y vivencia de la imagen.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Literatura sin lectura

Galería Rosa Santos

Elena Aitzkoa

Llanura oval

“Llanura oval
circunscrita sólo a mí

como el mar que nace de la lágrima
o la extensión finita de un abismo.

Atisbar sin esforzarse un lugar común y cálido

como el rocío

El envés de la historia que declina y anticipa

otra manera de mirarnos
-en los charcos-

Llanura oval!
Llanura oval!
Llanura oval!

(circunscrita sólo a mí)”

Elena Aitzkoa

 

La práctica de Aitzkoa incluye escultura, dibujo, poesía y performance. Sus creaciones parten de un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales de las experiencias circundantes de la artista.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Rosa Santos

Elena Aitzkoa

Llanura oval

“Llanura oval
circunscrita sólo a mí

como el mar que nace de la lágrima
o la extensión finita de un abismo.

Atisbar sin esforzarse un lugar común y cálido

como el rocío

El envés de la historia que declina y anticipa

otra manera de mirarnos
-en los charcos-

Llanura oval!
Llanura oval!
Llanura oval!

(circunscrita sólo a mí)”

Elena Aitzkoa

 

La práctica de Aitzkoa incluye escultura, dibujo, poesía y performance. Sus creaciones parten de un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales de las experiencias circundantes de la artista.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Llanura oval

Casa Bancal

Eduardo Infante

La pintura del futuro. Capítulo II

“De una manera involuntaria en el capítulo anterior el dibujo fue la técnica predominante y en esta ocasión presentamos una serie de óleos sobre lienzos para plasmar LA PINTURA DEL FUTURO. Bajo este título seguimos apostando por la intemporalidad del arte, abriendo el debate con el espectador que la pintura no tiene futuro, ni pasado, ni siquiera presente. La pintura sólo tiene el instante en el qué posamos nuestra atención sobre ella. Además, queremos destacar que por primera vez y tras muchos años trabajando juntos en este y otros proyectos, INFANTE va a mostrar al público sus composiciones musicales, teniendo así este Capítulo II una banda sonora compuesta para la ocasión.”

Jaime Pérez Zaragozi, comisario

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Casa Bancal

Eduardo Infante

La pintura del futuro. Capítulo II

“De una manera involuntaria en el capítulo anterior el dibujo fue la técnica predominante y en esta ocasión presentamos una serie de óleos sobre lienzos para plasmar LA PINTURA DEL FUTURO. Bajo este título seguimos apostando por la intemporalidad del arte, abriendo el debate con el espectador que la pintura no tiene futuro, ni pasado, ni siquiera presente. La pintura sólo tiene el instante en el qué posamos nuestra atención sobre ella. Además, queremos destacar que por primera vez y tras muchos años trabajando juntos en este y otros proyectos, INFANTE va a mostrar al público sus composiciones musicales, teniendo así este Capítulo II una banda sonora compuesta para la ocasión.”

Jaime Pérez Zaragozi, comisario

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

La pintura del futuro. Capítulo II

Volta Art Gallery

Miguel Ángel Erba

Ocho veces agua

La exposición de Miguel Ángel Erba aborda la interacción histórica entre la ciudad y el agua, a través de esculturas, fuentes y pinturas. Erba emplea simbolismo y emociones personales para crear narrativas oníricas que exploran temas universales como el miedo y el deseo. Sus obras capturan la fugacidad del agua, representándola como tormenta u ocaso interno.

El agua en sus creaciones simboliza el tiempo, el cambio y la diversidad de significados en la vida, similar a cómo la historia de Valencia ha sido influenciada por el agua a lo largo del tiempo. Las figuras en sus pinturas fusionan realidad e imaginación, buscando lo esencial en la naturaleza y la conexión interna. Erba utiliza símbolos para guiar a través de temas como la incertidumbre y la añoranza. En resumen, la exposición reflexiva de Erba enriquece la comprensión de la historia de Valencia y su vínculo con el agua a través del arte contemporáneo, incitando a contemplar la complejidad del significado y la conexión con el entorno.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Volta Art Gallery

Miguel Ángel Erba

Ocho veces agua

La exposición de Miguel Ángel Erba aborda la interacción histórica entre la ciudad y el agua, a través de esculturas, fuentes y pinturas. Erba emplea simbolismo y emociones personales para crear narrativas oníricas que exploran temas universales como el miedo y el deseo. Sus obras capturan la fugacidad del agua, representándola como tormenta u ocaso interno.

El agua en sus creaciones simboliza el tiempo, el cambio y la diversidad de significados en la vida, similar a cómo la historia de Valencia ha sido influenciada por el agua a lo largo del tiempo. Las figuras en sus pinturas fusionan realidad e imaginación, buscando lo esencial en la naturaleza y la conexión interna. Erba utiliza símbolos para guiar a través de temas como la incertidumbre y la añoranza. En resumen, la exposición reflexiva de Erba enriquece la comprensión de la historia de Valencia y su vínculo con el agua a través del arte contemporáneo, incitando a contemplar la complejidad del significado y la conexión con el entorno.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Ocho veces agua

Ana Serratosa

Shirin Salehi

Ninguna lengua es muda (I)

Con una obra interdisciplinar que explora medios como la gráfica, el dibujo, la escultura y la imagen en movimiento, Shirin Salehi investiga la dimensión poética y ensayística del lenguaje visual partiendo de ideas como la escritura ilegible, la materia borrada y la imagen oculta.

En ‘El tiempo sin derrota’, proyecto que desarrolló durante su residencia en la Academia de España en Roma, subyace su preocupación por el tiempo y la incisión, en conversación con planteamientos de autores de referencia para la artista como Pascal Quignard y María Zambrano. Indaga sobre la lectura de la materia incisa y sobre un tiempo anterior a la producción, un tiempo que abarca espacios poéticos que miran al propio lenguaje, un tiempo que no se consume ni se agota. Confiriendo sumo cuidado a la resolución formal de las piezas, otorga especial atención a las cualidades conceptuales de los materiales, construyendo un cuerpo de obras donde la contención y la austeridad presentan el tempo que le interesa a la artista para abrir conversaciones con el espectador.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Ana Serratosa

Shirin Salehi

Ninguna lengua es muda (I)

Con una obra interdisciplinar que explora medios como la gráfica, el dibujo, la escultura y la imagen en movimiento, Shirin Salehi investiga la dimensión poética y ensayística del lenguaje visual partiendo de ideas como la escritura ilegible, la materia borrada y la imagen oculta.

En ‘El tiempo sin derrota’, proyecto que desarrolló durante su residencia en la Academia de España en Roma, subyace su preocupación por el tiempo y la incisión, en conversación con planteamientos de autores de referencia para la artista como Pascal Quignard y María Zambrano. Indaga sobre la lectura de la materia incisa y sobre un tiempo anterior a la producción, un tiempo que abarca espacios poéticos que miran al propio lenguaje, un tiempo que no se consume ni se agota. Confiriendo sumo cuidado a la resolución formal de las piezas, otorga especial atención a las cualidades conceptuales de los materiales, construyendo un cuerpo de obras donde la contención y la austeridad presentan el tempo que le interesa a la artista para abrir conversaciones con el espectador.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Ninguna lengua es muda (I)

Galería Cuatro

Gemma Alpuente

Squeeze. El clímax etéreo del color

“Sigue el destello de colores flúor que guían su tendencia inconsciente a crear formas expansivas, volúmenes dúctiles y texturas moldeables a partir de procesos químicos que trascienden el concepto tradicional de pintura. En ella, el color existe con tal intensidad que roza la esfera del arte lumínico, en una encrucijada excéntrica de abstracción y reflexión sobre los límites de la pintura, la materia y la imagen en la era de la inteligencia artificial. Su estudio es un centro físico de gravitación entre los procesos de solidificación del microcemento y la resina de poliuretano expandido, para crear literalmente masas de color que bullen de manera azarosa en el espacio, dejando que se libere de los límites del cuadro, que fluya en el espacio y brille con esa contundencia kistch, que resulta tan valiente como cautivadora. Y entra en escena el espíritu urbano y expresivo del gesto, del garabato, de acrílicos y aerosoles en rosa, fucsia, verde o azul, a veces encapsulados en láminas de resina epoxy, metacrilatos o impresión 3D, con la vocación de retener el instante en el espacio-tiempo. Sus formas cromáticas y volubles incitan a estrujarlas, a atraparlas en el aire, pero de pronto dan un salto de lo táctil a lo etéreo en una metamorfosis NFT art, que proyecta visualmente un auténtico clímax de color.”

Àlex Villar, Comisario

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Cuatro

Gemma Alpuente

Squeeze. El clímax etéreo del color

“Sigue el destello de colores flúor que guían su tendencia inconsciente a crear formas expansivas, volúmenes dúctiles y texturas moldeables a partir de procesos químicos que trascienden el concepto tradicional de pintura. En ella, el color existe con tal intensidad que roza la esfera del arte lumínico, en una encrucijada excéntrica de abstracción y reflexión sobre los límites de la pintura, la materia y la imagen en la era de la inteligencia artificial. Su estudio es un centro físico de gravitación entre los procesos de solidificación del microcemento y la resina de poliuretano expandido, para crear literalmente masas de color que bullen de manera azarosa en el espacio, dejando que se libere de los límites del cuadro, que fluya en el espacio y brille con esa contundencia kistch, que resulta tan valiente como cautivadora. Y entra en escena el espíritu urbano y expresivo del gesto, del garabato, de acrílicos y aerosoles en rosa, fucsia, verde o azul, a veces encapsulados en láminas de resina epoxy, metacrilatos o impresión 3D, con la vocación de retener el instante en el espacio-tiempo. Sus formas cromáticas y volubles incitan a estrujarlas, a atraparlas en el aire, pero de pronto dan un salto de lo táctil a lo etéreo en una metamorfosis NFT art, que proyecta visualmente un auténtico clímax de color.”

Àlex Villar, Comisario

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Squeeze. El clímax etéreo del color

Jorge López Galería

Valeria Maculán

Drama

Valeria Maculan vive y trabaja entre Madrid y Buenos Aires. Su práctica explora los límites del plano pictórico y su uso como medio para cuestionar las formas en que se puede expresar un cuerpo social, física y psicológicamente. Busca formas simbólicas para crear un lenguaje no verbal utilizando diferentes materiales. Utiliza distintos componentes para crear sus obras que a veces se quedan en el plano del lienzo y otras va más allá realizando un trabajo sobre el lenguaje de la pintura y lo pictórico. Sus obras abandonan el muro para usurpar el espacio y jugar con la arquitectura, con el ornamento, con el orden, buscando el deleite de lo visual, escapando de lo tradicional, presentándonos algo nuevo donde lo pictórico subyace bajo los velos y las formas, sin recurrir a la nostalgia del lienzo y los pinceles.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Jorge López Galería

Valeria Maculán

Drama

Valeria Maculan vive y trabaja entre Madrid y Buenos Aires. Su práctica explora los límites del plano pictórico y su uso como medio para cuestionar las formas en que se puede expresar un cuerpo social, física y psicológicamente. Busca formas simbólicas para crear un lenguaje no verbal utilizando diferentes materiales. Utiliza distintos componentes para crear sus obras que a veces se quedan en el plano del lienzo y otras va más allá realizando un trabajo sobre el lenguaje de la pintura y lo pictórico. Sus obras abandonan el muro para usurpar el espacio y jugar con la arquitectura, con el ornamento, con el orden, buscando el deleite de lo visual, escapando de lo tradicional, presentándonos algo nuevo donde lo pictórico subyace bajo los velos y las formas, sin recurrir a la nostalgia del lienzo y los pinceles.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Drama

La Mercería

Óscar Seco

#vamosamorirtodos

“Aquel que sostenga que es necesario comprender el argumento o la línea discursiva desde el principio de una narrativa ya ha sido derrotado en esta batalla, pues las ideas de Seco están en constante movimiento, saturadas de referencias culturales y lógicas que parecen zigzaguear de un lado a otro. Su territorio es el de la diversión y para vencer la batalla hay que ser consciente de que pisamos una ficción sobre ficción. La pintura ha de librar hoy día su propia lucha contra la monotonía y, por ello, lo más fascinante de la pintura de este artista es esa vitalidad plástica y su capacidad para estimular la imaginación a pesar de la inminente catástrofe del «ya nada nos queda por ver».”

Óscar Manrique

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

La Mercería

Óscar Seco

#vamosamorirtodos

“Aquel que sostenga que es necesario comprender el argumento o la línea discursiva desde el principio de una narrativa ya ha sido derrotado en esta batalla, pues las ideas de Seco están en constante movimiento, saturadas de referencias culturales y lógicas que parecen zigzaguear de un lado a otro. Su territorio es el de la diversión y para vencer la batalla hay que ser consciente de que pisamos una ficción sobre ficción. La pintura ha de librar hoy día su propia lucha contra la monotonía y, por ello, lo más fascinante de la pintura de este artista es esa vitalidad plástica y su capacidad para estimular la imaginación a pesar de la inminente catástrofe del «ya nada nos queda por ver».”

Óscar Manrique

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

#vamosamorirtodos

Set Espai D’Art

Laia Abril

On Healing

Laia Abril (Barcelona, 1986) es una artista multidisciplinar cuyas obras giran en torno a los temas de los derechos de la mujer, el duelo y la biopolítica. Su práctica basada en la investigación emplea fotografía, texto y sonido para explorar realidades difíciles y ocultas.

Uno de sus proyectos más aclamados, «A History of Misogyny», ha sido expuesto en más de 15 países. El proyecto a largo plazo «A History of Misogyny» es una investigación visual realizada a través de comparaciones históricas y contemporáneas. En su segundo capítulo, «On Rape», Abril se enfoca en la violación institucional a lo largo de una serie de retratos conceptuales que, junto con testimonios, simbolizan las diferentes culturas sistémicas de violación. Abril utiliza la historia para rastrear el origen de leyes y creencias. Esto incluye legislaciones que obligan a las víctimas a casarse con sus violadores, la violación utilizada como arma de guerra, la construcción falsa de la virginidad o el origen del «horario de violación», que hace que las mujeres reconsideren sus rutinas diarias para protegerse de posibles daños. A través de este viaje de investigación, Abril invita al público a experimentar sus reacciones en forma de instalaciones de audio, texto y visuales.

Obra: “Ala Kachuu (Secuestro de novia), Kyrguyzistan” de la serie “On Rape: And Institutional Failures”

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Set Espai D’Art

Laia Abril

On Healing

Laia Abril (Barcelona, 1986) es una artista multidisciplinar cuyas obras giran en torno a los temas de los derechos de la mujer, el duelo y la biopolítica. Su práctica basada en la investigación emplea fotografía, texto y sonido para explorar realidades difíciles y ocultas.

Uno de sus proyectos más aclamados, «A History of Misogyny», ha sido expuesto en más de 15 países. El proyecto a largo plazo «A History of Misogyny» es una investigación visual realizada a través de comparaciones históricas y contemporáneas. En su segundo capítulo, «On Rape», Abril se enfoca en la violación institucional a lo largo de una serie de retratos conceptuales que, junto con testimonios, simbolizan las diferentes culturas sistémicas de violación. Abril utiliza la historia para rastrear el origen de leyes y creencias. Esto incluye legislaciones que obligan a las víctimas a casarse con sus violadores, la violación utilizada como arma de guerra, la construcción falsa de la virginidad o el origen del «horario de violación», que hace que las mujeres reconsideren sus rutinas diarias para protegerse de posibles daños. A través de este viaje de investigación, Abril invita al público a experimentar sus reacciones en forma de instalaciones de audio, texto y visuales.

Obra: “Ala Kachuu (Secuestro de novia), Kyrguyzistan” de la serie “On Rape: And Institutional Failures”

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

On Healing

Thema

Ylana Yaari

Raíces suspendidas

La relación de Ylana con sus obras (pinturas y esculturas) fluye íntimamente en su vida, haciéndola capaz de condensar largos sentimientos a través de ellas. Valora el acto de reconocer y re-significar, ya que para ella estas prácticas acompañan el desarrollo interno y colectivo.

«Para mí, nuestras interpretaciones son las mayores influencias de nuestros caminos, la perspectiva que elegimos para ver la vida. Una buena manera que encontré para ilustrar esto es a partir de la luz y la sombra en las formas. La forma y sombras se crean dependiendo de dónde elijamos proyectar la luz.

El ejercicio de esta dinámica de orientar y cuestionar dónde encontramos la luz en nuestros contextos, nos lleva a un crecimiento interior y, en consecuencia, a la mejora de un desarrollo colectivo”.

El nombre de Ylana Yaari proviene del hebreo y significa “la raíz de mi bosque”. De allí le surge la inspiración de realizar una investigación personal. ¿Quiénes somos cuando nos alejamos del suelo, cuando levitamos sobre nuestras raíces? O más bien sobre nuestros orígenes. ¿Qué hay en nosotros antes de ser?

Las interminables preguntas sobre la pertenencia y la identidad son personales y podríamos decir unánimes con poco riesgo a equivocarnos. Del mismo modo, la cantidad de información externa que se nos brinda y el aluvión de estímulos exacerbado dificulta nuestro reconocimiento interno.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Thema

Ylana Yaari

Raíces suspendidas

La relación de Ylana con sus obras (pinturas y esculturas) fluye íntimamente en su vida, haciéndola capaz de condensar largos sentimientos a través de ellas. Valora el acto de reconocer y re-significar, ya que para ella estas prácticas acompañan el desarrollo interno y colectivo.

«Para mí, nuestras interpretaciones son las mayores influencias de nuestros caminos, la perspectiva que elegimos para ver la vida. Una buena manera que encontré para ilustrar esto es a partir de la luz y la sombra en las formas. La forma y sombras se crean dependiendo de dónde elijamos proyectar la luz.

El ejercicio de esta dinámica de orientar y cuestionar dónde encontramos la luz en nuestros contextos, nos lleva a un crecimiento interior y, en consecuencia, a la mejora de un desarrollo colectivo”.

El nombre de Ylana Yaari proviene del hebreo y significa “la raíz de mi bosque”. De allí le surge la inspiración de realizar una investigación personal. ¿Quiénes somos cuando nos alejamos del suelo, cuando levitamos sobre nuestras raíces? O más bien sobre nuestros orígenes. ¿Qué hay en nosotros antes de ser?

Las interminables preguntas sobre la pertenencia y la identidad son personales y podríamos decir unánimes con poco riesgo a equivocarnos. Del mismo modo, la cantidad de información externa que se nos brinda y el aluvión de estímulos exacerbado dificulta nuestro reconocimiento interno.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Raíces suspendidas

Vangar

Adrián Jorques

Detrás de cada cosa

“Detrás de cada cosa hay otra cosa que es la misma, idéntica y distinta, real y a un tiempo extraña.” Este verso del poeta Gabriel Celaya a su amigo y compañero Blas de Otero condensa algunas de las ideas que Adrián Jorques plasma en su exposición en Vangar.

El trabajo de Adrián Jorques se construye a partir de fragmentos de lo real: texturas, patrones y formas, que encuentra en el contexto en el que habita y que el artista manipula, alterando sus parámetros, permitiendo transmitir la perspectiva y enfoque del autor.

Estas huellas que descubre en sus trayectos se intervienen mediante distintas técnicas que buscan distorsionar su forma original hasta llevarla a la abstracción. En su proceso, el artista trabaja a través de transferencias y superposiciones de sustratos que recrean y reflejan todas esas marcas y registros. Éstas hablan de memoria y muestran el inevitable deterioro sufrido a causa del paso del tiempo, donde el azar es un elemento siempre presente.

En las obras de Adrián Jorques las marcas del tiempo se vuelven simbólicas a través de las capas, y sugieren un detrás de cada cosa, una vida interior pronta a la manifestación. La muestra reflexiona sobre la relación entre lo que percibimos y lo que subyace bajo la superficie. Una superficie real y pictórica que registra, ya sea transfiriendo o eliminando partes de información, hasta que solo quedan rasguños, algunos reconocibles y otros, vagos recuerdos.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Vangar

Adrián Jorques

Detrás de cada cosa

“Detrás de cada cosa hay otra cosa que es la misma, idéntica y distinta, real y a un tiempo extraña.” Este verso del poeta Gabriel Celaya a su amigo y compañero Blas de Otero condensa algunas de las ideas que Adrián Jorques plasma en su exposición en Vangar.

El trabajo de Adrián Jorques se construye a partir de fragmentos de lo real: texturas, patrones y formas, que encuentra en el contexto en el que habita y que el artista manipula, alterando sus parámetros, permitiendo transmitir la perspectiva y enfoque del autor.

Estas huellas que descubre en sus trayectos se intervienen mediante distintas técnicas que buscan distorsionar su forma original hasta llevarla a la abstracción. En su proceso, el artista trabaja a través de transferencias y superposiciones de sustratos que recrean y reflejan todas esas marcas y registros. Éstas hablan de memoria y muestran el inevitable deterioro sufrido a causa del paso del tiempo, donde el azar es un elemento siempre presente.

En las obras de Adrián Jorques las marcas del tiempo se vuelven simbólicas a través de las capas, y sugieren un detrás de cada cosa, una vida interior pronta a la manifestación. La muestra reflexiona sobre la relación entre lo que percibimos y lo que subyace bajo la superficie. Una superficie real y pictórica que registra, ya sea transfiriendo o eliminando partes de información, hasta que solo quedan rasguños, algunos reconocibles y otros, vagos recuerdos.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Detrás de cada cosa

Galería Shiras

Julio Galeote y Ana Rod

Ornamento de ficción

Desde la denostación de todo aquello percibido como decorativo en el arte moderno, en búsqueda de formas esenciales, primitivas a su posterior recuperación posmoderna, el ornamento siempre ha estado presente. En esta propuesta ambos artistas trabajan desde esta perspectiva. Por un lado, la obra de Ana Rod investiga desde la cerámica, formas ornamentadas que nos transportan a un mundo interior lleno de sutiles matices y que impela a un imaginario cultural. Por otro lado, Julio Galeote utiliza objetos de nuestra sociedad de consumo, para contraponer las metodologías de construcción de un discurso altamente artificial que pretende transformar la esencia del propio objeto por medio de la acción fotográfica.

Sus trabajos se basan en una subjetivización del objeto que va más allá de lo que percibimos como real, cultural o impuesto. Posicionándonos en un escenario de ficción donde todo es posible y desde donde crear realidades personales fruto de habitar este mundo convulso.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Shiras

Julio Galeote y Ana Rod

Ornamento de ficción

Desde la denostación de todo aquello percibido como decorativo en el arte moderno, en búsqueda de formas esenciales, primitivas a su posterior recuperación posmoderna, el ornamento siempre ha estado presente. En esta propuesta ambos artistas trabajan desde esta perspectiva. Por un lado, la obra de Ana Rod investiga desde la cerámica, formas ornamentadas que nos transportan a un mundo interior lleno de sutiles matices y que impela a un imaginario cultural. Por otro lado, Julio Galeote utiliza objetos de nuestra sociedad de consumo, para contraponer las metodologías de construcción de un discurso altamente artificial que pretende transformar la esencia del propio objeto por medio de la acción fotográfica.

Sus trabajos se basan en una subjetivización del objeto que va más allá de lo que percibimos como real, cultural o impuesto. Posicionándonos en un escenario de ficción donde todo es posible y desde donde crear realidades personales fruto de habitar este mundo convulso.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Ornamento de ficción

Galería Shiras

Toño Barreiro

Signum

Signum es un proyecto que empezó a gestarse durante el primer año de pandemia, cuando nuestro día a día era el estado de alarma. Los signos de alarma, avisos, restricciones y peligros proliferaron, las noticias reflejaban el miedo colectivo, nuestra vulnerabilidad y la necesidad de estar constantemente alerta.

Esta situación ha amplificado poderosamente los enormes desafíos a los que nos enfrentamos como humanidad, en los que la incertidumbre prima sobre el conocimiento de la situación. El control sobre el ADN, material genético básico de todo ser vivo, o el desarrollo de la Inteligencia Artificial van a cuestionar profundamente el concepto de realidad y el papel del ser humano en un mundo distópico, donde podemos llegar a ser totalmente prescindibles.

En nombre de la libertad y la convivencia pacífica, nuestro mundo está totalmente regulado, indexado, guiado por innumerables signos que nos marcan los límites, nos mantienen alerta, nos avisan del peligro, nos impiden entrar o salir.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Shiras

Toño Barreiro

Signum

Signum es un proyecto que empezó a gestarse durante el primer año de pandemia, cuando nuestro día a día era el estado de alarma. Los signos de alarma, avisos, restricciones y peligros proliferaron, las noticias reflejaban el miedo colectivo, nuestra vulnerabilidad y la necesidad de estar constantemente alerta.

Esta situación ha amplificado poderosamente los enormes desafíos a los que nos enfrentamos como humanidad, en los que la incertidumbre prima sobre el conocimiento de la situación. El control sobre el ADN, material genético básico de todo ser vivo, o el desarrollo de la Inteligencia Artificial van a cuestionar profundamente el concepto de realidad y el papel del ser humano en un mundo distópico, donde podemos llegar a ser totalmente prescindibles.

En nombre de la libertad y la convivencia pacífica, nuestro mundo está totalmente regulado, indexado, guiado por innumerables signos que nos marcan los límites, nos mantienen alerta, nos avisan del peligro, nos impiden entrar o salir.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Signum

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