3ª Edición

Premio Cervezas
Alhambra

Descubre de cerca lo que pronto llegará muy lejos

LAVAC y Cervezas Alhambra abren las puertas al arte contemporáneo y al talento emergente
con la 3ª edición del Premio Cervezas Alhambra Abierto València 2022.
Saborea sin prisa todas las candidaturas y brinda tu voto a la que más lo merezca.

Un brindis por el arte

El Premio Cervezas Alhambra Abierto València 2022 vuelve a brindar su
apoyo al arte.

Una iniciativa de crear/sin/prisa que nos acerca a las mejores galerías y a los
artistas con más futuro del arte contemporáneo emergente.

Una forma de reflejar cómo entendemos la vida y de poner en valor nuestro
compromiso con la creación.
Este año, el futuro del arte contemporáneo lo eliges tú.
Observa sin prisa todas las candidaturas y vota tu preferida.

Crear/sin/prisa

Un premio que decides tú

Votaciones abiertas desde 23 al 29
de septiembre.

Galería Alba Cabrera

Vicente Gómez

El pliegue y el límite

La apuesta de la galería Alba Cabrera para Abierto València 2022 incorpora el trabajo más reciente del artista Vicente Gómez (València, 1975), una ambiciosa presentación acorde con el modo en que se consolida dicho evento cumpliendo una década de celebración. Por eso, el proyecto de la galería nos habla de estratos, de capas y capas de esfuerzo y reflexiones en un ámbito como es el artístico, tan conectado con la sociedad y necesariamente sensibilizador.

Su pulsión por expresar más allá de los límites de un mundo polarizado hace que los pliegues que el artista crea en sus piezas evolucionen, trazando un recorrido desde la pintura hasta la volumetría de la fibra y las capas. En una experiencia extraordinaria, accedemos a la galería para conocer la obra de Gómez y nos lleva a analizar cuestiones metafísicas a la par que sociales. Se trata de juegos entre la bidimensionalidad y la tridimensionalidad, con superficies de las que emergen imágenes divididas a través de la línea. Las líneas dominan la escena y ponen orden en un momento en el que el orden transmite una sensación de seguridad que arropa y reconforta.

 

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Alba Cabrera

Vicente Gómez

El pliegue y el límite

La apuesta de la galería Alba Cabrera para Abierto València 2022 incorpora el trabajo más reciente del artista Vicente Gómez (València, 1975), una ambiciosa presentación acorde con el modo en que se consolida dicho evento cumpliendo una década de celebración. Por eso, el proyecto de la galería nos habla de estratos, de capas y capas de esfuerzo y reflexiones en un ámbito como es el artístico, tan conectado con la sociedad y necesariamente sensibilizador.

Su pulsión por expresar más allá de los límites de un mundo polarizado hace que los pliegues que el artista crea en sus piezas evolucionen, trazando un recorrido desde la pintura hasta la volumetría de la fibra y las capas. En una experiencia extraordinaria, accedemos a la galería para conocer la obra de Gómez y nos lleva a analizar cuestiones metafísicas a la par que sociales. Se trata de juegos entre la bidimensionalidad y la tridimensionalidad, con superficies de las que emergen imágenes divididas a través de la línea. Las líneas dominan la escena y ponen orden en un momento en el que el orden transmite una sensación de seguridad que arropa y reconforta.

 

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

El pliegue y el límite

Galería Cuatro

Jordi Machí

The F***ing Mañana

Todo parece desolador pero yo sigo soñando con un mañana lleno de luz y esperanza, dónde la humanidad se aleje de su oscuridad y emprenda un camino junto a la tecnología y la naturaleza, que las tres de la mano quiebren todas las barreras de la inteligencia que nosotros mismos interpusimos y nos sumerjamos en una unidad infinita de conciencia dónde las únicas armas que existan sean nuestras mentes. Esta serie es una ventana al mañana, un sueño donde lo humano, la tecnología y la naturaleza se unen hacia un futuro brillante

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Cuatro

Jordi Machí

The F***ing Mañana

Todo parece desolador pero yo sigo soñando con un mañana lleno de luz y esperanza, dónde la humanidad se aleje de su oscuridad y emprenda un camino junto a la tecnología y la naturaleza, que las tres de la mano quiebren todas las barreras de la inteligencia que nosotros mismos interpusimos y nos sumerjamos en una unidad infinita de conciencia dónde las únicas armas que existan sean nuestras mentes. Esta serie es una ventana al mañana, un sueño donde lo humano, la tecnología y la naturaleza se unen hacia un futuro brillante

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

The F***ing Mañana

Galería Thema

Rubén Fuentes Fuertes

El mundo de PINOCHO es más real que el mundo real

El proyecto expositivo se centrará en 5 esculturas entrelazadas narrativamente que desarrollan el cuento de Pinocho original confrontándolo con la versión infantil de Disney de 1940.

Las esculturas tratarán el tema de la responsabilidad individual, el camino a hacerse “mayor” y las recompensas por llevar una vida “recta” tal y como proponía su autor, Carlo Collodi, pero llevadas al lado opuesto:

¿Qué es un niñ@ mal@?

Pinocho tiene que demostrar valor, sinceridad y falta de egoísmo para convertirse en un pequeño de carne y hueso. Aunque entendemos que esto es un elemento moral para que nos portásemos bien ¿no es precisamente todo lo contrario lo que nos hace humanos? Pinocho aprende a ser un ser humano pero también que toda libertad está relacionada con las malas personas.

Carlo Collodi era masón, y pudo pretender, a través del cuento de Pinocho, una alegoría sobre la formación de las personas basada en el honor, la verdad y la virtud. Es curioso que el personaje trascendiera como el mentiroso más famoso y fácil de descubrir. O que luego su obsesión por ser “un niño de verdad” pasara por encima del milagro de estar vivo.

Yo lo que propongo es el juego contrario. Gepetto y el Hada Azul acaban convertidos en marionetas, formando una familia de madera.

Ortega y Gasset se ocupa de Collodi afirmando que «toma el pelo al mundo porque el mundo de Pinocho es más real que el mundo real»

Acompañando a las esculturas en madera, se presenta obra sobre papel que gira en torno al mismo tema.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Thema

Rubén Fuentes Fuertes

El mundo de PINOCHO es más real que el mundo real

El proyecto expositivo se centrará en 5 esculturas entrelazadas narrativamente que desarrollan el cuento de Pinocho original confrontándolo con la versión infantil de Disney de 1940.

Las esculturas tratarán el tema de la responsabilidad individual, el camino a hacerse “mayor” y las recompensas por llevar una vida “recta” tal y como proponía su autor, Carlo Collodi, pero llevadas al lado opuesto:

¿Qué es un niñ@ mal@?

Pinocho tiene que demostrar valor, sinceridad y falta de egoísmo para convertirse en un pequeño de carne y hueso. Aunque entendemos que esto es un elemento moral para que nos portásemos bien ¿no es precisamente todo lo contrario lo que nos hace humanos? Pinocho aprende a ser un ser humano pero también que toda libertad está relacionada con las malas personas.

Carlo Collodi era masón, y pudo pretender, a través del cuento de Pinocho, una alegoría sobre la formación de las personas basada en el honor, la verdad y la virtud. Es curioso que el personaje trascendiera como el mentiroso más famoso y fácil de descubrir. O que luego su obsesión por ser “un niño de verdad” pasara por encima del milagro de estar vivo.

Yo lo que propongo es el juego contrario. Gepetto y el Hada Azul acaban convertidos en marionetas, formando una familia de madera.

Ortega y Gasset se ocupa de Collodi afirmando que «toma el pelo al mundo porque el mundo de Pinocho es más real que el mundo real»

Acompañando a las esculturas en madera, se presenta obra sobre papel que gira en torno al mismo tema.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

El mundo de PINOCHO es más real que el mundo real

House of Chappaz

Diego Del Pozo Barriuso

Oído Odio

«OÍDO ODIO” es una exposición individual de Diego del Pozo Barriuso para House of Chappaz, en la que se muestra por primera vez la película “OÍDO ODIO” que, junto a esculturas, fotografías y dibujos, aborda las problemáticas de la materialidad del odio y propone la necesidad de producir otros imaginarios para seguir junto a sus problemas y atender a su circulación constante y pegajosa.

El trabajo de Diego del Pozo está motivado por las coreografías de los gestos, por las formas de las emociones, los afectos, así como por las políticas y economías que los configuran. Sus procesos se conectan con el amor, la vergüenza, el miedo y en esta exposición continúa actuando en las potencialidades de otros imaginarios para abordarlas. El odio es un afecto particularmente complejo por su vinculación directa con la violencia. En la película “OÍDO ODIO” se adentra en la capacidad que tienen las imágenes de encarnar las agresiones reproduciendo la violencia. La economía del odio es circular, a más circulación más valor y capacidad de afectar para modificar cuerpos, ambientes, tiempos, espacios.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

House of Chappaz

Diego Del Pozo Barriuso

Oído Odio

«OÍDO ODIO” es una exposición individual de Diego del Pozo Barriuso para House of Chappaz, en la que se muestra por primera vez la película “OÍDO ODIO” que, junto a esculturas, fotografías y dibujos, aborda las problemáticas de la materialidad del odio y propone la necesidad de producir otros imaginarios para seguir junto a sus problemas y atender a su circulación constante y pegajosa.

El trabajo de Diego del Pozo está motivado por las coreografías de los gestos, por las formas de las emociones, los afectos, así como por las políticas y economías que los configuran. Sus procesos se conectan con el amor, la vergüenza, el miedo y en esta exposición continúa actuando en las potencialidades de otros imaginarios para abordarlas. El odio es un afecto particularmente complejo por su vinculación directa con la violencia. En la película “OÍDO ODIO” se adentra en la capacidad que tienen las imágenes de encarnar las agresiones reproduciendo la violencia. La economía del odio es circular, a más circulación más valor y capacidad de afectar para modificar cuerpos, ambientes, tiempos, espacios.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Oído Odio

Jorge López Galería

Álvaro Porras

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Álvaro Porras despliega su trabajo a través de la permutación de códigos simbólicos y somáticos, en línea con ciertas prácticas experienciales y emancipaciones del arte en el contexto urbano. Con intención de relato historiográfico, su obra va en idas y venidas a través de la pintura y la gráfica como respuestas de distintos procesos de escritura y narración, en un desplazamiento hacia conceptualismos de acción e intervención mínima.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Jorge López Galería

Álvaro Porras

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Álvaro Porras despliega su trabajo a través de la permutación de códigos simbólicos y somáticos, en línea con ciertas prácticas experienciales y emancipaciones del arte en el contexto urbano. Con intención de relato historiográfico, su obra va en idas y venidas a través de la pintura y la gráfica como respuestas de distintos procesos de escritura y narración, en un desplazamiento hacia conceptualismos de acción e intervención mínima.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Jorge López Galería

Gema Polanco

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Gema Polanco se apropia de la estética punk y rock, se alía con lo rebelde y lo espontáneo para dar voz a una serie de proclamas de autocuidado mediante piezas textiles e instalativas. Gigantes pancartas textiles, alter egos, pensamientos dichos en alto, escamas, sombras de ojos desproporcionales, gritos, sacudidas de cuerpo y movimientos de desfogue se convierten en un refugio y escenarios de posibilidad y resistencia

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Jorge López Galería

Gema Polanco

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Gema Polanco se apropia de la estética punk y rock, se alía con lo rebelde y lo espontáneo para dar voz a una serie de proclamas de autocuidado mediante piezas textiles e instalativas. Gigantes pancartas textiles, alter egos, pensamientos dichos en alto, escamas, sombras de ojos desproporcionales, gritos, sacudidas de cuerpo y movimientos de desfogue se convierten en un refugio y escenarios de posibilidad y resistencia

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Jorge López Galería

Javier Bravo de Rueda

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Bravo de Rueda explora las formas de asimilación cultural vinculando los afectos del origen y su tiempo, ahonda desde los límites del diseño, el arte y la artesanía, la transición entre lo precolombino, el arte popular, lo colonial y la imaginería occidental con el constante interrogante de las tradiciones que perduran como sedimento del pasado, la obsesión por la simbología andina y la mística en la era del Antropoceno, los rituales colectivos como narrativas que perpetúan la dominación colonial.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Jorge López Galería

Javier Bravo de Rueda

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

Bravo de Rueda explora las formas de asimilación cultural vinculando los afectos del origen y su tiempo, ahonda desde los límites del diseño, el arte y la artesanía, la transición entre lo precolombino, el arte popular, lo colonial y la imaginería occidental con el constante interrogante de las tradiciones que perduran como sedimento del pasado, la obsesión por la simbología andina y la mística en la era del Antropoceno, los rituales colectivos como narrativas que perpetúan la dominación colonial.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Punk Beginnings 2022 - New tracks “El Punk (no) ha muerto”

La Mercería

Paco Dalmau

Evolution series 2022

Evolution series se basa en el estudio de la psicología del color como base conceptual. Mi objetivo es crear imágenes de formas orgánicas que parezcan haber surgido de sí mismas; sin ninguna intervención del artista. Al hacerlo, exploro la interacción y la percepción del color, y la profundidad como método para producir obras expresivas y abstractas. Mi objetivo como artista es ofrecer al espectador una experiencia personal, íntima y emocional basada en el color y la textura visual. Al abstenerme de cualquier discurso narrativo, dejo el lienzo totalmente abierto a la interpretación. En los últimos años, he desarrollado un método de producción único, llevado a cabo en diferentes etapas, que consisten en la elección de un cromatismo particular, la erosión del material, el glaseado y el difuminado del color. Estos pasos consiguen generar distancia entre las distintas capas, sugiriendo profundidades y atmósferas tridimensionales, a veces delirantes, pero siempre trascendentales. Esta forma de trabajar me lleva a un estado mental introvertido y meditativo, permitiéndome ordenar y estructurar mis sensaciones y emociones. La paz interior que encuentro gracias a esta rutina diaria es simple y personal, pero, en esencia, destinada para que el circuito emisor – mensaje – receptor se complete de modo fluido y natural.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

La Mercería

Paco Dalmau

Evolution series 2022

Evolution series se basa en el estudio de la psicología del color como base conceptual. Mi objetivo es crear imágenes de formas orgánicas que parezcan haber surgido de sí mismas; sin ninguna intervención del artista. Al hacerlo, exploro la interacción y la percepción del color, y la profundidad como método para producir obras expresivas y abstractas. Mi objetivo como artista es ofrecer al espectador una experiencia personal, íntima y emocional basada en el color y la textura visual. Al abstenerme de cualquier discurso narrativo, dejo el lienzo totalmente abierto a la interpretación. En los últimos años, he desarrollado un método de producción único, llevado a cabo en diferentes etapas, que consisten en la elección de un cromatismo particular, la erosión del material, el glaseado y el difuminado del color. Estos pasos consiguen generar distancia entre las distintas capas, sugiriendo profundidades y atmósferas tridimensionales, a veces delirantes, pero siempre trascendentales. Esta forma de trabajar me lleva a un estado mental introvertido y meditativo, permitiéndome ordenar y estructurar mis sensaciones y emociones. La paz interior que encuentro gracias a esta rutina diaria es simple y personal, pero, en esencia, destinada para que el circuito emisor – mensaje – receptor se complete de modo fluido y natural.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Evolution series 2022

Luis Adelantado Valencia

Carlos Correcher

Todo lo que pasa

‘Todo lo que pasa’, una propuesta del artista valenciano Carlos Correcher para la sala Boiler Room de la Galería Luis Adelantado. Correcher —que ya estuvo con anterioridad en la galería como parte de la muestra CALL XVIII en 2016— vuelve ahora con un proyecto completo, más maduro, en el que presenta una serie de pinturas de sus últimos tres años de trabajo a través de las cuales nos pone en contacto con su cotidianidad.

«Después de dos años sin pintar, me levanto temprano, cansado. No tengo ganas de pintar. Son las seis de la mañana. Mi pareja sigue durmiendo y yo ya estoy en el autobús. Ando hacia el trabajo. Trabajo. Salgo de trabajar y como. Voy al estudio y pinto. Vuelvo a casa y ya he pintado. Cenamos, charlamos y dormimos. Pienso.

No he hecho nada muy bueno pero no lo niego. Mañana tampoco voy a poder hacerlo porque ya habré trabajado antes y va a pasar lo mismo. No lo voy a dar todo porque ya habré dado parte antes de hacer algo. Hay un punto medio entre lo que se considera excepcional y lo que es malo. Entre no pensar y darle demasiadas vueltas a las cosas. Algo a medio hacer, que no lo tiene todo. Nos empeñamos en esconderlo porque sabemos lo que no es. Excepcional, significativo, excelente, relevante. Acepto las cosas a medias. Las hago un todo. Medio desprecio cada cosa que hago, pero las quiero todas. Duermo. Me levanto y pienso. No tengo ganas de pintar.

Después de trabajar, estoy física y mentalmente agotado. Después de trabajar, pintar es una especie de lujo. La pintura es muy mental y de convicciones claras. Es firme, radical. Esa parte reflexiva se traduce en intriga ante el descuido y la obviedad del mínimo esfuerzo. Te retiene porque sabes que ahí hay una especie de lucidez. Es abrirse a un espacio de reflexión y traducción en el que repensar todo. Es un lujo, pero es necesario. Es un mínimo esfuerzo, pero de implicación y trabajo máximo.

Manchas emborronadas, grises y líneas negras controladamente arbitrarias. Algo aparentemente críptico que muestra todo lo que pasa mientras no se está pintando.»

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Luis Adelantado Valencia

Carlos Correcher

Todo lo que pasa

‘Todo lo que pasa’, una propuesta del artista valenciano Carlos Correcher para la sala Boiler Room de la Galería Luis Adelantado. Correcher —que ya estuvo con anterioridad en la galería como parte de la muestra CALL XVIII en 2016— vuelve ahora con un proyecto completo, más maduro, en el que presenta una serie de pinturas de sus últimos tres años de trabajo a través de las cuales nos pone en contacto con su cotidianidad.

«Después de dos años sin pintar, me levanto temprano, cansado. No tengo ganas de pintar. Son las seis de la mañana. Mi pareja sigue durmiendo y yo ya estoy en el autobús. Ando hacia el trabajo. Trabajo. Salgo de trabajar y como. Voy al estudio y pinto. Vuelvo a casa y ya he pintado. Cenamos, charlamos y dormimos. Pienso.

No he hecho nada muy bueno pero no lo niego. Mañana tampoco voy a poder hacerlo porque ya habré trabajado antes y va a pasar lo mismo. No lo voy a dar todo porque ya habré dado parte antes de hacer algo. Hay un punto medio entre lo que se considera excepcional y lo que es malo. Entre no pensar y darle demasiadas vueltas a las cosas. Algo a medio hacer, que no lo tiene todo. Nos empeñamos en esconderlo porque sabemos lo que no es. Excepcional, significativo, excelente, relevante. Acepto las cosas a medias. Las hago un todo. Medio desprecio cada cosa que hago, pero las quiero todas. Duermo. Me levanto y pienso. No tengo ganas de pintar.

Después de trabajar, estoy física y mentalmente agotado. Después de trabajar, pintar es una especie de lujo. La pintura es muy mental y de convicciones claras. Es firme, radical. Esa parte reflexiva se traduce en intriga ante el descuido y la obviedad del mínimo esfuerzo. Te retiene porque sabes que ahí hay una especie de lucidez. Es abrirse a un espacio de reflexión y traducción en el que repensar todo. Es un lujo, pero es necesario. Es un mínimo esfuerzo, pero de implicación y trabajo máximo.

Manchas emborronadas, grises y líneas negras controladamente arbitrarias. Algo aparentemente críptico que muestra todo lo que pasa mientras no se está pintando.»

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Todo lo que pasa

Rosa Santos

Xisco Mensua

El amor es triste

El trabajo de Xisco Mensua utiliza el tiempo como espacio donde verter y desarrollar una serie de conceptos y temas complejos relacionados entre sí. Materias como la poesía, filosofía, medios de comunicación, educación e infancia, entre otros, son referencias recurrentes en sus series de dibujos, generalmente polípticos, pinturas y collages.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Rosa Santos

Xisco Mensua

El amor es triste

El trabajo de Xisco Mensua utiliza el tiempo como espacio donde verter y desarrollar una serie de conceptos y temas complejos relacionados entre sí. Materias como la poesía, filosofía, medios de comunicación, educación e infancia, entre otros, son referencias recurrentes en sus series de dibujos, generalmente polípticos, pinturas y collages.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

El amor es triste

Set Espai D’Art

Acaymo S. Cuesta

WAR RADIO SHOW

Estamos condicionados por nuestro entorno, tanto a nivel familiar como social y, en especial el político. Y es que la historia y las vivencias forman/constituyen una parte activa muy importante en la construcción del individuo, ya que todo lo que nos rodea se presta a ser partícipe en una suerte de pulsiones que lo van construyendo o destruyendo.
En este sentido entiendo la configuración del sujeto y la historia como un contenedor de pulsiones irracionales provocadas por agentes externos. Me interesa la utilización de la palabra en cuanto a la conformación del individuo se refiere, y de como esta puede ser utilizada como herramienta para controlarlo, adoctrinarlo, amansarlo o distraerlo.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Set Espai D’Art

Acaymo S. Cuesta

WAR RADIO SHOW

Estamos condicionados por nuestro entorno, tanto a nivel familiar como social y, en especial el político. Y es que la historia y las vivencias forman/constituyen una parte activa muy importante en la construcción del individuo, ya que todo lo que nos rodea se presta a ser partícipe en una suerte de pulsiones que lo van construyendo o destruyendo.
En este sentido entiendo la configuración del sujeto y la historia como un contenedor de pulsiones irracionales provocadas por agentes externos. Me interesa la utilización de la palabra en cuanto a la conformación del individuo se refiere, y de como esta puede ser utilizada como herramienta para controlarlo, adoctrinarlo, amansarlo o distraerlo.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

WAR RADIO SHOW

Set Espai D’Art

Irma Marco

WAR RADIO SHOW

Irma Marco (Valencia, 1981) es artista, investigadora y docente. Licenciada en Bellas Artes y Máster en Producciones Artísticas por la Universitat Politècnica de València. Su proyecto doctoral #internet flags trata sobre las problemáticas derivadas de vivir en una sociedad hiperconectada y basada en Internet, y la necesidad de soberanía digital desde el arte.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Set Espai D’Art

Irma Marco

WAR RADIO SHOW

Irma Marco (Valencia, 1981) es artista, investigadora y docente. Licenciada en Bellas Artes y Máster en Producciones Artísticas por la Universitat Politècnica de València. Su proyecto doctoral #internet flags trata sobre las problemáticas derivadas de vivir en una sociedad hiperconectada y basada en Internet, y la necesidad de soberanía digital desde el arte.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

WAR RADIO SHOW

Set Espai D’Art

Javier Rodríguez Pino

WAR RADIO SHOW

Javier Rodríguez Pino (Santiago de Chile, 1981), Doctor en Arte por la Universitat Politècnica de València y actualmente Profesor Titular del Departamento de Artes Visuales de la UMCE. Sus proyectos, en los que combina el dibujo, el relato histórico y la ficción, han sido presentados recientemente en el MUSAC.

Mostrará el trabajo desarrollado durante los más de dos meses de residencia en Praga: Polvo de estrellas, beca recibida por el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana (España) para realizar el proyecto construyendo un trabajo gráfico a partir del cruce entre ciencias sociales, ficción, relato e imagen.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Set Espai D’Art

Javier Rodríguez Pino

WAR RADIO SHOW

Javier Rodríguez Pino (Santiago de Chile, 1981), Doctor en Arte por la Universitat Politècnica de València y actualmente Profesor Titular del Departamento de Artes Visuales de la UMCE. Sus proyectos, en los que combina el dibujo, el relato histórico y la ficción, han sido presentados recientemente en el MUSAC.

Mostrará el trabajo desarrollado durante los más de dos meses de residencia en Praga: Polvo de estrellas, beca recibida por el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana (España) para realizar el proyecto construyendo un trabajo gráfico a partir del cruce entre ciencias sociales, ficción, relato e imagen.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

WAR RADIO SHOW

Set Espai D’Art

Sabela Zamudio

WAR RADIO SHOW

Sabela Zamudio nos muestra como convergen lo aséptico y lo que está claro, tan claro que resulta difícil de definir, la vida, siempre será difícil archivar… Se escapa la vida sino contenemos, sino respiramos. En la exposición presenta una serie de acuarelas inéditas, noticias sobre el conflicto en Afganistán y la guerra de Ucrania.

Sabela Zamudio (1989 Santiago de Compostela)
2012. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Set Espai D’Art

Sabela Zamudio

WAR RADIO SHOW

Sabela Zamudio nos muestra como convergen lo aséptico y lo que está claro, tan claro que resulta difícil de definir, la vida, siempre será difícil archivar… Se escapa la vida sino contenemos, sino respiramos. En la exposición presenta una serie de acuarelas inéditas, noticias sobre el conflicto en Afganistán y la guerra de Ucrania.

Sabela Zamudio (1989 Santiago de Compostela)
2012. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

WAR RADIO SHOW

Galería Shiras

Noemi Iglesias

Bling Bling Romance

Escribía Kate Millet en 1984 que “El amor ha sido el opio de las mujeres. Mientras nosotras amábamos, ellos gobernaban”. Este tipo de amor, romántico, sigue siendo hoy una utopía colectiva y un enredo para la mujer.

La industria del romanticismo nos sumerge en estructuras de dependencia en base a roles muy específicos que unen las actividades económicas y amorosas en rituales de amor, matrimonio, vestidos blancos y rosas rojas.

Son estructuras mitificadas e idealizadas muy eficaces que perpetúan un sistema desigual en el que la salud, y más concretamente, la salud mental de las mujeres, está condicionada en gran medida por una cultura amorosa que promueve un ideal romántico de expectativas irreales. La influencia del amor en este proceso de individualización representa una ideología donde las concepciones emocionales se solapan con el mundo de los clichés, sumergiéndonos en relaciones de dependencia donde uno tiene poder y recursos y la otra el don del sacrificio, el servicio y la entrega. Simultáneamente, el discurso terapéutico y el relato del sufrimiento se ha consolidado fuertemente en nuestra sociedad occidental, fomentando un sistema de valores donde la construcción de identidad de las mujeres no gira alrededor del conocimiento de sus propias emociones, necesidades o intereses, sino en el descubrimiento de las necesidades de los otros y la complacencia de las mismas. Esta adscripción al poder afectivo nos lleva a establecer un tipo de relaciones íntimas que generalmente conducen al fracaso emocional y a la frustración, confundiendo un estado afectivo realista, con la idealización del enamoramiento.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Galería Shiras

Noemi Iglesias

Bling Bling Romance

Escribía Kate Millet en 1984 que “El amor ha sido el opio de las mujeres. Mientras nosotras amábamos, ellos gobernaban”. Este tipo de amor, romántico, sigue siendo hoy una utopía colectiva y un enredo para la mujer.

La industria del romanticismo nos sumerge en estructuras de dependencia en base a roles muy específicos que unen las actividades económicas y amorosas en rituales de amor, matrimonio, vestidos blancos y rosas rojas.

Son estructuras mitificadas e idealizadas muy eficaces que perpetúan un sistema desigual en el que la salud, y más concretamente, la salud mental de las mujeres, está condicionada en gran medida por una cultura amorosa que promueve un ideal romántico de expectativas irreales. La influencia del amor en este proceso de individualización representa una ideología donde las concepciones emocionales se solapan con el mundo de los clichés, sumergiéndonos en relaciones de dependencia donde uno tiene poder y recursos y la otra el don del sacrificio, el servicio y la entrega. Simultáneamente, el discurso terapéutico y el relato del sufrimiento se ha consolidado fuertemente en nuestra sociedad occidental, fomentando un sistema de valores donde la construcción de identidad de las mujeres no gira alrededor del conocimiento de sus propias emociones, necesidades o intereses, sino en el descubrimiento de las necesidades de los otros y la complacencia de las mismas. Esta adscripción al poder afectivo nos lleva a establecer un tipo de relaciones íntimas que generalmente conducen al fracaso emocional y a la frustración, confundiendo un estado afectivo realista, con la idealización del enamoramiento.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Bling Bling Romance

The Liminal

Lauren Moffatt

I wish you could hear what I remember

‘I wish you could hear what I remember’ es la frase que abre el primer párrafo completo (extraída azarosamente) de la página 68 del ensayo autobiográfico: “Dawn of the New Everything: Encounters with Reality and Virtual Reality” de Jaron Lanier, escritor de filosofía de la computación e informático considerado pionero y fundador en el campo de realidad virtual.

La primera exposición individual de Lauren Moffatt en THE LIMINAL se articula en torno a este deseo: ‘Ojalá pudieras oír lo que recuerdo’, que nos traslada, desde una premisa casi sinestésica, la fragilidad de las realidades que tan cuidadosamente creamos y que pueden desmoronarse en cualquier instante, en la forma de un recorrido poliédrico a través de tres experiencias. La primera de ellas consiste en una pieza de realidad aumentada en tiempo real, compuesta por un grupo de esferas permeables o burbujas que ocupan la sala principal de la galería y que dialogan con una serie de piezas procesuales de carácter pictórico, las cuales sirven como marcadores o guías para una activación autónoma de la experiencia por parte del público. La segunda experiencia es también una pieza de realidad aumentada site-specific, en este caso en muy estrecha conversación con la arquitectura y naturaleza del espacio; un personaje a la par lúdico y misterioso se nos revela a través de diferentes lentes fijas en las paredes. La tercera consiste en un entorno controlado de realidad virtual: una sala de cine atípica en la que somos artífices de nuestra propia narrativa.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

The Liminal

Lauren Moffatt

I wish you could hear what I remember

‘I wish you could hear what I remember’ es la frase que abre el primer párrafo completo (extraída azarosamente) de la página 68 del ensayo autobiográfico: “Dawn of the New Everything: Encounters with Reality and Virtual Reality” de Jaron Lanier, escritor de filosofía de la computación e informático considerado pionero y fundador en el campo de realidad virtual.

La primera exposición individual de Lauren Moffatt en THE LIMINAL se articula en torno a este deseo: ‘Ojalá pudieras oír lo que recuerdo’, que nos traslada, desde una premisa casi sinestésica, la fragilidad de las realidades que tan cuidadosamente creamos y que pueden desmoronarse en cualquier instante, en la forma de un recorrido poliédrico a través de tres experiencias. La primera de ellas consiste en una pieza de realidad aumentada en tiempo real, compuesta por un grupo de esferas permeables o burbujas que ocupan la sala principal de la galería y que dialogan con una serie de piezas procesuales de carácter pictórico, las cuales sirven como marcadores o guías para una activación autónoma de la experiencia por parte del público. La segunda experiencia es también una pieza de realidad aumentada site-specific, en este caso en muy estrecha conversación con la arquitectura y naturaleza del espacio; un personaje a la par lúdico y misterioso se nos revela a través de diferentes lentes fijas en las paredes. La tercera consiste en un entorno controlado de realidad virtual: una sala de cine atípica en la que somos artífices de nuestra propia narrativa.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

I wish you could hear what I remember

Vangar

Capi Cabrera

Salitre

Canarias es un lugar lleno de contrastes, las playas, zonas volcánicas, barrancos y malpaíses de belleza natural se relacionan en cuestión de minutos con la idiosincrasia y autenticidad de sus calles, sus costumbres y toallas de playa fluorescentes. Es así que este último año Capi Cabrera ha emprendido un proyecto conectando con la sencillez, utilizando la pintura como elemento articular de su fascinación sobre Canarias y su identidad como motor artístico.

Los colores del paisaje de las islas, azules, ocres y blancos unidos a formas de sus barrancos, el mar y el conocimiento sobre las mareas son contrastes tremendamente inspiradores para un artista sensible a un entorno que le vio nacer. La acción de pintar, la gestualidad y la materia son elementos sencillos, pero tremendamente poéticos y atractivos, un método de expresión generador de lenguajes que convierten la energía en algo físico. De esta manera la obra pictórica no intenta representar una idea única de paisaje o territorio sino encontrar a través de la acción pictórica y su paleta de colores un espacio de transformación y entendimiento de aquello que se vive.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Vangar

Capi Cabrera

Salitre

Canarias es un lugar lleno de contrastes, las playas, zonas volcánicas, barrancos y malpaíses de belleza natural se relacionan en cuestión de minutos con la idiosincrasia y autenticidad de sus calles, sus costumbres y toallas de playa fluorescentes. Es así que este último año Capi Cabrera ha emprendido un proyecto conectando con la sencillez, utilizando la pintura como elemento articular de su fascinación sobre Canarias y su identidad como motor artístico.

Los colores del paisaje de las islas, azules, ocres y blancos unidos a formas de sus barrancos, el mar y el conocimiento sobre las mareas son contrastes tremendamente inspiradores para un artista sensible a un entorno que le vio nacer. La acción de pintar, la gestualidad y la materia son elementos sencillos, pero tremendamente poéticos y atractivos, un método de expresión generador de lenguajes que convierten la energía en algo físico. De esta manera la obra pictórica no intenta representar una idea única de paisaje o territorio sino encontrar a través de la acción pictórica y su paleta de colores un espacio de transformación y entendimiento de aquello que se vive.

Votaciones abiertas desde el 22 al 28 de septiembre

Salitre

Tu voto merece un premio a la altura.

Participar en la votación del Premio Cervezas Alhambra 2022 es brindar una oportunidad al arte emergente.
Por eso dando tu voto en esta 3ª Edición, podrás ganar un año gratis de Cervezas Alhambra y el pack Edición Especial Abierto València 2022.

Descubre sin prisa todas las obras candidaturas y vota entre el 23 y 29 de septiembre.

Y gana un año de Cervezas Alhambra y el pack
Edición Especial Abierto València 2022.